Sábado
6 de septiembre del 2008
Cita del día: “The new form of managerial industrialism,
in which man builds machines which act like men and develops men who act like
machines, is conducive to an era of dehumanization and complete alienation,
in which men are transformed into things and become appendices to the process
of production and consumption.”
Erich Fromm, The sane society
El blues del Vaticano
Miraba una y otra vez el
retrato que, se suponía, debía representar su imagen. Había observado durante
largo tiempo como es que diferentes artistas lo representaban de diferente
manera, pero al final todo se reducía a lo mismo. No había sabido muy bien
que pensar de esos largos y despeinados cabellos rizados y esa ropa de
vagabundo. Nunca había encontrado tales características en si mismo, y
siempre le había parecido extraño que así fuera como todos aseguraban que se
veía. Pero en la segunda mitad del siglo XX obtuvo por fin pistas sobre el
significado de la imagen, y, más aún, sobre su destino. Comenzó entonces a
entender los motivos por los que, hacía ya largo tiempo, había sido enviado a
visitar a aquellos que aún no le conocían, aquellos que después inventarían
el nefasto, aunque significativo, retrato. En aquella época se había dado
cuenta de que los cálculos eran erróneos. No debía estar allí. La única
manera en que logró sobrellevar la aburrida estancia en aquel seco y estéril
lugar fue emborrachándose a cada oportunidad, terminando siempre diciendo un
sinfín de disparates. Por suerte, había logrado hacer un par de amigos que
siempre inventaban alguna historia para justificar sus desvaríos. Dos de
ellos escribirían después sus memorias y fueron tan amables que, al
mencionarlos, no entraron en los detalles escabrosos de esas tardes y noches
de culto a Baco. Oh sí, habían sido realmente buenos momentos, pequeños oasis
en aquel desierto de aburrimiento, pequeñas cosas que habían salido bien
dentro del gran error que significó haber llegado antes de tiempo a la
importante cita.
Pero no todo había sido en
balde. Gracias a que había estado ahí, es que ahora existían las imágenes del
hombre greñudo, y gracias a tal representación reconocía que el tiempo había
llegado. Pero esta vez, debía prepararse. Observó atentamente el
comportamiento de esos hombres melenudos que surgían por todas partes. Se
organizaban, en su mayoría, en pequeños grupos, tomaban las versiones nuevas
de instrumentos musicales antiguos y hacían música. Sí, música sublime,
música que, ahora entendía, sería el camino hacia su desconocido destino.
Durante décadas, no hizo
más que observar. Paso así 40 años, reflexionando, planeando, y claro,
dejándose crecer el pelo. Decidió que esta vez necesitaría de 3 acompañantes,
emulando a aquellos grupos de 4 que, se dio cuenta, lograban ser conocidos en
el mundo entero. Además, recordaba haber formado un grupo más grande en su
anterior visita, lo que terminó en catástrofe. Entre menos, mejor, se dijo a
sí mismo. De cualquier manera, para evitar malas sorpresas, decidió elegir a
sus compañeros entre sus vecinos y su gente más cercana, en lugar de
exponerse a reclutar desconocidos ¡se aprende tanto de la experiencia! Con
él, ya eran tres (lo que a veces era realmente insoportable, pues si siendo
uno un ser individual siempre se presentan conflictos internos, ni hablar de
lo que puede pasar cuando en un ser hay tres individuos, ¿o eran tres seres
en un individuo?, no lo recordaba), así que sólo le faltaba reclutar a
alguien más. Es difícil encontrar compañeros cuando vives solo en la
eternidad, así que se dirigió a la Tierra a buscar a uno de los compañeros de
borrachera de la juventud. Y así es como un día, sin previo aviso, me
encontré cara a cara con el buen Chuy. Estaba algo malhumorado tras el viaje,
así que estaba en su fase de “papá”, vengativa e irascible. Al
otro nunca lo había conocido, siempre se hace el misterioso y se oculta.
Dicen las malas lenguas que es un pervertido, y que disfruta violando a las
mujeres que duermen. Yo no puedo asegurarlo, como dije, no tengo mucha
relación con él. Saqué unas cervezas del refri (nunca sé si ofrecerle 1 ó 3
al cabrón, pero siempre se toma todas) y, después de que me contó su supuesta
revelación y sus planes, decidimos poner manos a la obra. A mí se me ocurrió
que podríamos disfrazarnos al estilo del Sargento Pimienta, y así,
seguramente, tendríamos más éxito. Yo había comprado los trajes hacía unos
años en el mercado del Chopo y decidimos probárnoslos. Desafortunadamente,
sólo el traje rojo, que me puse yo, y el verde, que se puso el Espíritu Santo
(muy de acuerdo al color de su rabo), estaban en buenas condiciones. Le dije
a mi amigo si no podría, al ser solo un individuo, ponerse un solo traje,
pero insistió en usar tres. El traje azul estaba completamente descolorido y
era ahora de un blanco inmaculado. Le pudimos poner unos parches en donde
estaba roto, pero no teníamos con que teñirlo. El traje rosa se había vuelto
negro el día en que uno de mis amigos gays me lo pidió para ir a un desfile y
le explotó un cohetón (nunca me quiso dar los detalles). Así que salimos los
cuatro, verde, rojo, blanco y negro. Chuy, quien después de 2000 años sin
hacer nada más que seguir los avances de la humanidad se ha vuelto muy nerd,
dijo que si tuviéramos uno amarillo ya podríamos ir disfrazados de pinceles
de televisión a color. Le di un zape por baboso que, curiosamente, le dolió a
su papá... nunca he entendido cómo funcionan éstos.
Al salir, decidimos
montar nuestros caballos para llegar más pronto al centro y dar ahí un
concierto improvisado. Como somos tan chingones, fuimos practicando en el
camino, sin desmontar. Íbamos completamente concentrados, haciendo unos
ruidos espantosos, estruendosos, sin nada de melodía, pero muy poderosos,
cuando mi acompañante triple se puso lívido, dejó de tocar y se puso a llorar
como una niña. Me quedé viéndolo sin saber qué pasaba. A mi alrededor notaba
la destrucción y los incendios, pero no lograba entender... Los llantos
fueron sustituidos por una risa nerviosa y macabra. Mi acompañante con
trastorno tripolar había entendido cuál era su destino. Todos sus delirios de
borrachera habían sido sandeces, pero aquella vez que se comió dos kilos de
peyote, había divagado con la verdad (o casi). Chuy y sus hermanos (amantes o
concubinos, ¡no sé qué diablos son!) no eran “amor”, eso había
sido un mal viaje con la mariguana. Eran el fin de todo. Y ahí, en medio del
desastre, destapé otra cerveza mientras mis acompañantes lloraban, reían y
gritaban, las tres cosas a la vez. Y los antiguos dioses griegos, los más
sabios y verdaderos, no pudieron más que reírse de nosotros, observándonos
ahí, en medio del fuego, cuatro músicos frustrados, cuatro seres
incomprendidos, los cuatro patéticos jinetes del Apocalipsis.
Miércoles 8 de marzo del 2006
Cita del día: "Sunrise doesn't last all morning.
A
cloudburst doesn't last all day.
Seems my love is up and has let you with no
warning.
It's not always going to be this gray.
Sunset doesn't last all evening.
A mind can blow those clouds away.
After all this my love is up and must be leaving.
It's not always going to be this gray.
All things must pass.
None of life strings may lasts.
So I must be on my way, and face another day.
The darkness only stays the night time.
In the morning it will fade away.
Daylight is good at arriving at the right time.
It is not always going to be this gray.
All things must pass.
All things must pass away."
George Harrison, All things must pass
Alemania a través de
los ojos de un (in)¿culto? estudiante extranjero.
Selección dentro de una serie de varios ensayos llamados
"Elementos" (muchos aún inconclusos), que pretende ser una
colección de ensayos y relatos que comencé a escribir durante mi estancia en Berlín.
¿Qué hay en la vida diaria que llama la atención de un mexicano que llega a
esta tierra cuna de filósofos y científicos; a esta tierra protagonista de la
historia del siglo XX?
Elemento #3: Verdades paralelas. El
Berliner Ensemble y Die Heilige Johanna der Schlachthöfe
Entramos por fin a la sala. Extraño estar aquí,
observando tal lujo y vestido sólo con jeans y la playera de siempre. Nadie
nos presta atención mientras nos dirigimos a nuestros lugares. Después de un
rato, la oscuridad, el silencio repentino, fin de los múltiples murmullos.
Una sola luz se enciende, ahora todo el universo visible es el escenario.
Incluso las adornadas paredes, los lujosos palcos, dejan de existir. El
escenario y yo, es todo lo que queda del mundo en este instante. Poco a poco,
el escenario cobra vida, se llena de cosas y personas que protagonizarán una
historia que nunca fue y que lo es para siempre. La Santa Johanna es ahora el
hilo que me guía a traves de ese mundo al que Bertolt Brecht me ha
introducido. Difícil entender sus palabras, pero muy sencillo respirar,
sentir el ambiente que llena el escenario, la sala, el teatro, mi mundo
mezclado con la verdad paralela que se me concede presenciar. Protesto con
Johanna. Su dolor es el mío. Su muerte, el fin de la vida más importante en
este Universo con el que me he fundido. Después, nuevamente silencio y
oscuridad que desaparecen repentinamente ante el estruendo causado por los
aplausos. Johanna resucita para agradecernos el compartir su Universo,
nosotros batemos palmas en su honor por permitirnos hacerlo. El mundo de
todos los días nos espera allá afuera. Después de una última mirada a los
hermosos adornos que decoran la estancia, me dirijo a la salido, con la
historia de Johanna dando vueltas en mi cabeza mientras se abre camino para
asentarse en mi corazón para siempre. ¿Qué, si no el teatro, puede entrar al
corazón de un hombre de tal manera? Amo los mundo alternos, las realidades
contadas poéticamente. Amo las historias creadas, o aquellas verdaderas
embellecidas por el lenguaje. Amo aquellas emociones que salen de una
pluma y se expresan en los actores. Amo el teatro.
Borrador, junio del 2004. Versión final, noviembre 2005.
Nota de adiós a todas las cosas que deben pasar: Después
de largo tiempo, regreso al espacio virtual. Aprovechando el frío invierno y
la falta de compromisos sociales que conlleva la vida en una ciudad
estudiantil en tiempo de vacaciones, he actualizado la página. Aunque el
título ahora es diferente, la esencia es la misma: una oda a todo lo efímero.
Este cambio se debe a que en estas noches en que he sufrido de insomnio he
redescubierto, no sin cierto horror, que, efectivamente, todo llega a su fin.
Y son los instantes los que se suceden unos a los otros en una loca carrera
que consume lo construido para crear después algo nuevo. Y una vez que un
instante se ha ido, no importa cuanto nos aferremos a él, lo hemos perdido y
se ha convertido en un recuerdo el cual, en el mejor de los casos, se
convertira a su vez en palabras que no contendrán ya nada del instante
original más que la descripción burda que el lenguaje puede hacer de él.
Es ese escurridizo instante el que se ha vuelto ahora objeto de mi culto. He
aprendido a respetarlo.
Martes 15 de noviembre del 2005
Cita del día: "¿Qué es hacer el bien? ¿Quemar a
las personas en las piras para salvar sus almas? Quizá. ¿Quemar vivas a las
brujas porque son la personificación del diablo? Hay una buena razón para
hacerlo. ¿Elevar el nivel de vida a los que carecen de fortuna? Hoy día
creemos que eso es lo más importante. ¿Luchar contra la crueldad y la
injusticia? (...) A lo que voy a ir a parar es que todo eso son problemas de
la conducta humana. ¿Qué es el bien? ¿Cómo se hace? ¿Qué es lo que debe
hacerse?"
Mary Westmacott, La carga
Nota sobre otra leyenda viva: 4 de
noviembre del 2002. El trabajo es pesado. Tengo que defender la tesis en poco
menos de dos semanas. Los experimentos no funcionan como debiera. Pero, a
pesar de todo, tomo el autobús que me llevará a la ciudad de México. A las
7:30 de la noche estoy ahí, a 10 metros del escenario. Una hora después la
euforia se desborda al ver por fin en vivo a uno de mis ídolos.
Así fue, hace ya 3 años, mi primera experiencia con una leyenda viva. 10 años
atrás había visto ya a Guns'n Roses, pero es difícil llamarles leyenda aún.
Paul McCartney merece más el título.
Año y medio después, 4 de junio del 2004, viviría una experiencia similar,
aunque esta vez sólo tuve que viajar 3 horas de Berlín a Leipzig, buscar un
hotel y correr al estadio , en donde tenía uno de los peores lugares,
prácticamente atrás del escenario. Un guardia de seguridad me ayudo a
encontrar uno mejor. De ese concierto no recuerdo mucho, la lluvia enfrío un
poco la euforia. El mejor momento, o el que recuerdo más vívidamente fue cuando
McCartney y compañía tocaron All things must pass como tributo a Harrison.
Ahora, hace menos de 3 semanas, tuve la oportunidad de ir al concierto de
otra leyenda viva: Bob Dylan. De nuevo, recorrer 300 km, buscar un hotel y
apresurarse para llegar a tiempo. Con un boleto para la primera sección,
llego temprano, tomó una cerveza, me abro espacio entre la multitud para
llegar a un lugar más o menos favorable (estaba en la sección interior, sin
asientos) y espero cerca de una hora hasta que una voz sin dueño hace la
presentación: "Ladies and gentleman, here he is: BOB DYLAN". El
escenario se enciende, la música inunda la arena (que por suerte, es
techada), y mis ojos buscan a la estrella que me ha traído a este lugar. Oigo
su voz, pero no lo encuentro. ¿Es ese con la guitarra? No, Dylan dejó la
guitarra en el 2003, después de la muerte de Harrison. Además, el guitarrista
no está cantando. ¡Ahí está!, ya lo veo. Con traje y sombrero al estilo de la
Mafia. El judío converso, el poeta vivo de 3 generaciones, el autor de la
denominada mejor canción de todos los tiempos, Robert Zimmerman, Bob Dylan.
Sentado junto a los teclados, inclinado sobre el micrófono. Sus manos
recorriendo el instrumento mientras su voz, tan nasal hoy como siempre,
resuena en el ahora sagrado recinto de la Arena Treptow. De repente se
levanta, toma su harmónica y, de frente al público, toca las notas finales de
la canción con la que ha abierto. De inmediato, sin ningún preámbulo, viene
la segunda canción. La letra suena en mis oídos. Conozco la letra, pero la
música es algo que nunca he oído antes. Identifico la canción ("Tonight
I'll be staying here with you", muy apropiada), la letra es la misma,
pero el arreglo es algo completamente nuevo. Ahora soy testigo por primera
vez de una de las características que han hecho a este hombre leyenda: nunca
toca una canción dos veces de la misma manera, a veces ni siquiera dentro de
la misma gira. Pero, me gusta más la canción como la estoy escuchando ahora,
con ritmo de rock en lugar del ritmo folk de la original. Así se suceden las
canciones. Al principio escuchando la letra, para intentar identificarlas,
después disfrutando los nuevos arreglos que, y esto es lo más notable, son
mejores que los originales (probablemente mejores que los del concierto de
ayer, que los de hace un año). En plena catársis, loas luces se apagan y
Dylan deja el escenario. Aplausos ininterrumpidos, a oscuras, por casi 10
minutos. La banda sale de nuevo y los acordes empiezan a sonar. Aunque hay
cambios, la canción es idcntificable. El público ruge. Un escalofrío recorre
mi espalda. Todo ha valido la pena. Otro objetivo alcanzado. Llego a niveles
de excitación nunca antes sentidos. Mis oídos se llenan de la mejor canción
que se ha hecho jamás. Y Dylan es un genio... El arreglo es diferente, pero
no arruina el clásico, al contrario. Prueba de que la perfección puede ser
superada. Dylan se reinventa y se mejora. Aquí estoy, parado, con la vista
fija en una leyenda, y con los sentidos llenos de esta canción que se
introduce en mis venas, en mis huesos. Ahora sé que esta es de las más
grandes experiencias de mi vida: Bob Dylan está tocando "Like a rolling
stone". Y está ahí, frente a mí. "How does it feel?" canta
él... mejor que cualquier otra cosa, responde todo mi ser...
Sólo sigue una canción, All along the watchtower (mi canción preferida de
Hendrix, de autoría Dylaniana). Buena elección para continuar la explosión de
sentidos que sufrí. Me inunda el solo de guitarra, parecido al de la versión
de Hendrix. Los últimos acordes suenan. Las luces se encienden. Envuelto en
aplausos Dylan abandona definitivamente el escenario. Mi vista lo sigue. Doy
media vuelta y me dirijo a la salida. Sólo tengo dinero para un póster.
Tendré que regresar a pie al hotel. El frío berlinés me acompaña en el
camino. Pero no lo noto. En mi cabeza aún suena: "how does it
feel?...".
Domingo 18 de septiembre del 2005
Cita del día: "Es terrible para un hombre darse
cuenta de repente que ha estado toda su vida diciendo nada más que la
verdad"
Oscar Wilde, La importancia de llamarse Ernesto
Viernes 5 de agosto del 2005
Cita del día: "Tengo una buena educación y toco
el violín casi lo bastante bien como para ganarme la vida en la orquesta de
algún teatrucho de variedades. Lo mismo puedo decir de la flauta y de la
trompa de llaves. Mis conocimientos de whist me permiten perder cien
libras al año en ese juego científico. Mi dominio del francés, me permite
derrochar el dinero en París casi con las misma facilidad que en Londres. En
resumen, soy una persona llena de cualidades varoniles"
Robert Louis Stevenson, El Club de los Suicidas
Martes 24 de mayo del 2005
Cita del día: "Picábale una vez una avispa en el
cuello, y no se la osaba sacudir por no quebrarse; pero, con todo eso, se
quejaba. Preguntóle uno que cómo sentía aquella avispa si era su cuerpo de
vidrio. Y respondió que aquella avispa debía de ser murmuradora, y que las
lenguas y picos de los murmuradores eran bastantes a desmoronar cuerpos de
bronce , no que de vidrio".
Miguel de Cervantes Saavedra, Novelas ejemplares: El licenciado Vidriera
Miércoles 13 de abril del 2005
Cita del día: "Si hay algo que nos salva en este
mundo es la incapacidad de la mente humana para correlacionar todos sus
contenidos. Vivimos en una tranquila isla en la niebla de negros mares de
infinito, y no estamos hechos para llegar muy lejos. Algún día, el poner
junto todo el conocimiento disociado, se abrirán vistas tan terribles de la
realidad que deberemos ya sea enloquecer por la revelación, o huir de la
mortal luz hacia la paz y seguridad de una nueva era oscurantista"
H.P. Lovecraft, La llamada de Cthulhu
Martes 1 de febrero del 2005
Cita del día: "...puedo jurar que se experimenta
una sensación particular cuando uno que está solo, en un país extraño, lejos
de la patria, de los amigos, no sabiendo si va a comer aquel día, arriesga su
último florín, ¡el último!"
Fiódor Dostoievski, El jugador
Domingo 23 de enero del 2005
Cita del día: "Teatro Mágico. Sólo para locos...
No para cualquiera, no para cualquiera".
Herman Hesse, El lobo estepario
Domingo 19 de diciembre del 2004
Cita del día: "Entre
los indios brasileños de la desembocadura del Amazonas, cuando alguno desea
aumentar el tamaño de su órgano genital, lo golpea con el fruto de una planta
acuática blanca llamada aninga. En el condado de Bekes, en Hungría,
fertilizan a las mujeres estériles pegándoles con un palo que haya servido
primero para separar dos perros apareados."
Sir James George Frazer, La Rama Dorada
Nota sobre la percepción espontánea de
las consecuencias del envejecimiento: Como
parte del corte de caja de fin de año, he comprado algunas películas que me
ayudarán a hacer más soportable el invierno que tendré que vivir en estas ya
muy frías tierras del norte. Entre ellas, se encuentra una cuya compra aplacé
durante más de año y medio con la esperanza de que el precio disminuiría,
cosa que no ocurrió. Se trata del "Concert for George", realizado
el 29 de noviembre del 2002, un año después de la muerte de Harrison.
La perspectiva de ver juntos a Eric Clapton, Ravi Shankar, Paul McCartney,
Ringo Starr, Tom Petty, Billy Preston y compañía tocando canciones de George
me parecía bastante agradable, y en verdad es que disfruté bastante viendo
los videos. Pero, sin embargo, lo que me causó mayor impresión no fue ni la
calidad de la música, ni la enorme banda con 4 baterías, 6 guitarras y un
montón de músicos indios... Lo primero que me impresionó fue ver a todos
estos músicos, cuyas composiciones me han acompañado durante los últimos
años, como víctimas del lento pero constante paso del tiempo. El elenco es
muy similar al del Concierto para Bangladesh, grabado en 1971. Ver las
diferencias entonces y ahora me llenaron de pavor ante el futuro que a todos
nos espera. El joven y vivaz Billy Preston es ahora un abuelo con sobrepeso y
que necesita anteojos con fondo de botella. Ravi Shankar no puede ya tocar la
cítara y se limita a componer para que su hija Anoushka sea quien toque. Jim
Keltner utiliza más aumento en sus lentes y tiene canas. Eric Clapton ahora
es un poco gordo, canoso y también necesita lentes. Muy lejos de aquel
muchacho que a los 21 años interpretara el solo de guitarra en "While my
guitar gently weeps". La banda ochentera de Harrison, los Traveling
Wilburys, está ahora disminuida por la muerte de George y de Roy Orbison. Los
sobrevivientes que acudieron al concierto, Jeff Lynn y Tom Petty, se notan
acabados. Lynn tiene canas hasta en la barba. Por otra parte, los Monthy
Python son ahora un grupo de ancianos, algunos de ellos ya sin dientes, pero
aún con excelente sentido del humor.
En cuanto a los Beatles sobrevivientes, no puedo opinar demasiado
objetivamente. A ellos los he visto envejecer poco a poco a través de videos
y de la antología, por lo que verlos en su estado actual no resultó tan
impactante como con el resto de los participantes.
En lo demás, el concierto es excelente. La selección de canciones fue muy
buena, aunque me parece que faltó incluir el éxito ochentero "I've got
my mind set on you" y tal vez alguna que otra canción. La banda es
sensacional: formada únicamente por amigos de Harrison y por su hijo Dhani.
El escenario aparece siempre lleno de músicos, muchas guitarras, bastantes
baterías, percusionistas por todos lados, etcétera.
El concierto tiene varios momentos excelentes. "Arpan", compuesta
por Ravi Shankar especialmente para la ocasión, es una muy buena combinación
de música oriental con música clásica occidental. La orquesta es enorme y
consiste tanto en músicos indios con exóticos instrumentos, como en músicos
occidentales con violines, chelos, etcétera. El número montado por los Monthy
Python es también muy bueno, con un final inesperado que arranca carcajadas
al por mayor. En cuanto a la interpretación de canciones de George, se hizo
magistralmente. En "Something", Paul McCartney comienza tocándola
sólo con un ukulele, mientras poco a poco los demás miembros de la banda se
van agregando hasta llegar a un punto culminante en el puente "I don't
know, I don't know". Joe Brown toca "Here Comes the Sun" con
gran maestría. Billy Preston y su interpretación de "My Sweet Lord"
son estupendas. Eric Clapton se luce en todas las canciones que interpreta,
pero me parece que su mejor participación es en "Isn't it a pity". Tom Petty and the Hearthbreakers
logran una excelente versión de Taxman y del éxito de los Traveling Wilburys "Handle with care". Ringo
Starr, logra uno de los momentos más emotivos del concierto cuando, antes de
cantar "Photograph" dice: "Esta canción la compusimos juntos George
y yo, pero ahora, ha cambiado su significado" (para quienes no la
conocen, la canción dice algo así como: "And now all I've got is a
photograph and I realize you're not coming back any more"). Pero, desde
mi punto de vista, la mejor interpretación, y por amplio margen, es la de
"Horse to Water", realizada por Sam Brown. Nunca antes había
escuchado a esta mujer cantando, y la verdad es que me enamoré de ella al
escucharla y al ver su personalidad en el escenario.
Una ausencia notable en el concierto es la de Bob Dylan. Habiendo sido
compañero de George en los Traveling Wilburys y habiendo compuesto junto a él
algunas de las canciones de "All things must pass", me
pareció muy extraño que no haya participado en el homenaje.
Ahora, creo que este DVD será fiel compañero durante el invierno. Puedo ver a
gran parte de mis músicos favoritos tocando juntos muchas de mis canciones
favoritas. Una muy buena inversión.
Nota sobre una nueva mirada a "El
Señor de los Anillos": Inmerso en la etapa en que todo el mundo
se gasta el dinero que no tiene, me compré un Box-Set con las versiones
extendidas de las tres partes del Señor de los Anillos. Aunque no incluyen
todo lo que me hubiera gustado que incluyeran, las películas cumplieron mis
expectativas. A continuación algunos puntos a destacar sobre cada una de las
partes:
Parte 1: La comunidad del anillo
Partes importantes añadidas:
- La descripción de los Hobbits y sus costumbres
- Sam y Frodo se encuentran con los elfos en su camino a Bree. La diferencia
es que no hablan con ellos...
- Galadriel le muestra su propio anillo a Frodo
- Los regalos de Galadriel, aunque son un poco diferentes.
- Gimli se enamora.
Lo que quedó fuera:
- ¡Tom Bombadil! El único ser sobre la Tierra Media completamente inmune al
Anillo queda fuera por alguna razón. Junto a él, todas las aventuras de
los cuatro Hobbits en el bosque antes de llegar a Bree, incluída la parte de
los Túmulos.
- Mantecona sigue siendo un personaje sin nombre ni relevancia. Nada especial
pasa en Bree, además de conocer a Aragorn. Todo lo que en el libro
ocurre en esta ciudad, quedó fuera.
- La batalla de los elfos de Lothlórien contra los orcos que siguen a la
comunidad.
Parte 2: Las dos torres
Partes importantes añadidas:
- Los Ucornos en la batalla del abismo de Helm
Lo que faltó:
- Saruman sigue apareciendo como si estuviera al servicio de Saurón. En
realidad él busca el Anillo para sí...
- Éowyn debía haber llevado a la gente al Sagrario, y no al Abismo de Helm.
No faltó demasiado en realidad... más bien, sobró....
Lo que sobró:
-Elfos en la batalla del abismo de Helm.
- Faramir lleva a los Hobbits a Osgiliath. En el libro, los libera sin
llevarlos a la ciudad.
Parte 3: El retorno del Rey
Partes importantes añadidas:
- El diálogo de Saruman con Gandalf, Aragorn y Théoden, así como la
destrucción de su báculo.
- Lengua de serpiente mata a Saruman. La diferencia es que lo hace en Orthanc
en lugar de en Hobbiton. Después, es flechado por Legolas, en lugar de serlo
por el ejército de hobbits.
- Merry ofrece sus servicios a Théoden
- Aragorn y el ejército de los muertos toman las embarcaciones de los
corsarios
- Batalla entre Gandalf y el Rey Brujo de Wingsmar
- El Hálito Negro afecta a Éowyn
- Aragorn mira en el Palantir
- Faramir y Éowyn se enamoran
- Frodo y Sam en el ejército de orcos
- Aparece Boca de Saurón.
Lo que quedó fuera:
- Los Dúnedain entrando con Aragorn al camino de los muertos y peleando en
los campos de Pélenor
- Sam usando el Anillo para rescatar a Frodo
- La batalla en Hobbiton. Creo que se filmó un final alterno en el que se
incluía esta batalla. Por alguna razón, no se incluye ni siquiera en esta
versión extendida. Me hubiera gustado ver al ejército de Hobbits
enfrentándose al ejército de Saruman.
Lo que quedó diferente:
. El ejército de los muertos en el campo de Pelénor. Es algo similar a los
elfos en la batalla de Helm. En el libro, Aragorn los libera después de tomar
los barcos de los corsarios. Quienes llegan al auxilio en Pélenor son
Aragorn, Légolas, Gimli y los Dúnedain. El ejército de los muertos no
participa. Supongo que era más fácil y barato crear montón de fantasmitas
computarizados que contratar extras para el ejército de los Dúnedain.
Viernes 10 de diciembre del 2004
Cita del día: "Las
desgracias y pecados acumulados de toda la gente se cargan algunas veces al
dios agonizante, que se supone los llevará consigo para siempre, dejando a
las gentes inocentes y felices(...) En pocas palabras, la idea de delegar el
padecimiento es corrientemente entendida y practicada por las razas situadas
en un nivel inferior de cultura intelectual y social"
Sir James George Frazer, La Rama Dorada
Jueves 11 de noviembre del 2004
Cita del día: "¿Qué
es el insomnio sino la obstinación maníaca de nuestra inteligencia en
fabricar pensamientos, razonamiento, silogismos y definiciones que le
pertenezcan plenamente, qué es sino su negativa a abdicar en favor de la
divina estupidez de los ojos cerrados o de la sabia locura de los
ensueños?"
Marguerite Yourcenar, "Memorias de Adriano"
Martes 2 de noviembre del 2004
Cita del día:
Somos mortales
todos habremos de irnos,
todos habremos de morir en la tierra...
Como una pintura,
todos nos iremos borrando.
Como una flor,
nos iremos secando
aquí sobre la tierra...
Meditadlo, señores águilas y tigres,
aunque fuerais de jade,
aunque fuerais de oro,
también allá iréis
al lugar de los descansos.
Tendremos que despertar,
nadie habrá de quedar.
Nezahualcóyotl (1391-1472)
Honrando a la Muerte y riéndose de la
Huesuda: El Día de Muertos
Cada dos de noviembre se celebra en México el Día de Muertos,
día dedicado a honrar a la Muerte y a nuestros difuntos. La gente visita los
panteones, adorna las tumbas con flores de Tzempaxúchitl, y ocasionalmente
lleva algún regalo para el durmiente morador. Lo más hermoso en esta fecha
son los altares u ofrendas que se levantan en la mayoría de los hogares
mexicanos. En ellos se ponen las fotos de los seres queridos que han muerto,
junto a platillos típicos y bebidas que el difunto disfrutaba en vida. Se colocan
también veladoras con el objetivo de guiar a los muertos hacia el altar. La
ofrenda la complementan las tradicionales calaveritas de azúcar, el pan de
muerto, la ya mencionada flor de Tzempaxúchitl, el copal, el incienso
y, para terminar, artículos personales del muerto al que se honra, sus
cigarros favoritos, su libro predilecto, etcétera. En algunos hogares, se
colocan también motivos religiosos, tales como fotos de santos o crucifijos.
Aunque la celebración se da a nivel nacional, en algunos lugares del país se
realiza con mayor solemnidad. Tal es el caso de Tláhuac y Xochimilco,
delegaciones ambas pertenecientes a la ciudad de México; de Janitzio, en
Michoacán; en el Istmo de Tehuantepec, en Oaxaca y en Cuetzalán, Puebla.
En este día, la Muerte no es sólo solemnidad, sino que se juega también con
ella. El dos de noviembre el mexicano se ríe del destino inapelable de
todo ser. Representamos a la Muerte de manera graciosa en figuras de papel
picado. Nos la comemos en las calaveritas de azúcar o en el pan de muerto, la
invitamos a ser nuestra burla en versos jocosos, llamados
"Calaveras", que satirizan a todo y a todos. En estas estrofas la
Muerte adquiere sinnúmero de nombres lúdicos. La llamamos "Calaca",
"Huesuda", "La Flaca", "Dientona", "La
Parca", etcétera. Al hecho mismo de morirse se le denomina
"petatearse", "estirar la pata", "pelarse",
"colgar los tenis", y muchas otras expresiones similares.
Los caricaturistas utilizan a la muerte para satirizar la
situación del país o a los políticos que lo controlan. El grabadista mexicano
Juan Guadalupe Posada llegó incluso a crear a "La Catrina",
representación pictórica de la muerte llevando un enorme sombrero y cuyo
objetivo era burlarse de la sociedad mexicana de principios del siglo XX.
El origen de la celebración del Día de Muertos en México se remonta a los
tiempos previos a la Conquista. Se vincula con el calendario agrícola
prehispánico, y era la única fiesta que se celebraba al inicio de la
recolección. Se ofrecía entonces un gran banquete después de la temporada de
escasez. La comida era entonces tan abundante que podía compartirse con los
muertos. El periodista mexicano conocido por el sobrenombre de "El Calvo
Melenudo", y cuyo nombre no puedo recordar, plantea la teoría de que en
su origen la fiesta se refería a la muerte de la vegetación, concepto que
después se transfiguró en la muerte del ser humano. En esto, concuerda con
las teorías de James George Frazer plasmadas en "La Rama Dorada",
quien plantea también que el ciclo de siembra y recolección, junto al miedo a
los muertos, es el motor de las creencias, tradiciones y religiones de los
diversos pueblos.
Después de la conquista, la Iglesia Católica intentó terminar con el culto a
los muertos, pero, ante la fuerte resistencia popular, terminó por aceptarlo
he incluirlo dentro de sus propios ritos. Le llamó entonces al 1 de noviembre
"Día de Todos los Santos" y al 2 de noviembre "Día de los
Fieles Difuntos", nombre con el que alguna gente aún se refiere al Día
de Muertos.
Tristemente, la invasión de la "Noche de Brujas" gringa ha
contaminado la tradición original. Cada vez es menos la gente que levanta
ofrendas con calaveras de azúcar y cada vez más la que utiliza horribles
calabazas de plástico, si es que se levanta ofrenda alguna. De igual manera,
los vampiros y las brujas desplazan a las calacas y catrinas. Poca gente
escribe Calaveras en estos días y el tiempo lo dedican a decorar la casa para
la "fiesta de Halloween" en lugar de montar los preciosos altares
típicos. Afortunadamente, desde el 7 de noviembre del 2003, la UNESCO
considera a la celebración mexicana del Día de Muertos como Patrimonio
Cultural de la Humanidad, por lo que ha adquirido el compromiso, hasta cierto
punto, de proteger la fiesta original contra los embates consumistas del
Halloween gringo.
Espero, de todo corazón, que las generaciones futuras puedan aún saborear un
delicioso pan de muerto sopeado en chocolate, que aprendan a hacer divertidas
calacas en papel picado y que sonrían o incluso se carcajeen al leer una buena
Calavera. Es trabajo de las generaciones presentes luchar para preservar una
de las tradiciones con más sabor mexicano que aún subsisten.
Calaveras
|
Gabriela
Un día muy enojada
Gabriela se nos murió
la Flaca la tomó de la mano
y con ella se la llevó
Pero no duró mucho Gabriela
en el mundo de los muertos
pues a la Huesuda exigió
deshacerla del entuerto
Así que aquí la tenemos
en este mundo violento
pero ya no hace corajes
por no volver con los muertos
|
Julia
Estaba Julia cantando
y pensando en el porvenir
cuendo llegó la Huesuda
y le comenzó a decir:
"vengo por ti ahora
de está no te salvarás
te ha llegado la hora
y tú conmigo vendrás"
Julia no dijo nada
tampoco dejó de cantar
incluso seguía cantando
cuando la fuimos a enterrar
|
|
Ilia
Estaba mi hermana bailando
cuando la Calaca llegó
le dijo "vente conmigo"
e Ilia, obediente, siguió
Bailando en el cementerio
se pueden ahora encontrar
a las dos flacas de este cuento
imposibles de diferenciar
|
Isabelle
Isabelle un día se cansó
de aprender tantos idiomas
de cansancio se murió
y se fue con la Dientona
Ahora la Parca ha aprendido
cuatro idiomas europeos
y a todos ha sorprendido
platicando en los mausoleos
|
|
Jesús
Huacuja contento vivía
de la vida disfrutaba
aunque hay que decir que a veces
la desesperación le ganaba
En uno de estos corajes
la Dientona se lo llevó
y así acabó la fiesta
el día en que Chuy se murió
Para él no fue problema
haber conocido a la Parca
pues aún entre los muertos
él le da vuelo a la hilacha
|
Lorena
Lorena muy enamorada
iba pensando en Mauricio
por andar de despistada
la Muerte llegó sin aviso
Ahora Lore está casada
pero no con quien ella quería
nunca penso que la Calaca
fuera quien la desposaría
|
|
Abigail
Después de escuchar un chiste
Abigail se murió
alguien le contó una historia
que de risa la privó
Ahora que está entre los muertos
Aby se ha puesto más blanca
pero sigue contando cuentos
que de risa a la Muerte matan
|
Sigifredo
Sigi sintió que moría
y se fue corriendo a confesar
muchos pecados tenía
y no alcanzó a terminar
En el Purgatorio espera Sigi
al Cielo poder entrar
pero necesitará mucho tiempo
para su penitencia acabar
|
|
Alicia
Alicia con tanto trabajo
en la oficina murió
todo fue tan repentino
que ni el salario cobró
Ahora trabaja con la Parca
llena recibos y pagarés
y compra todo lo que necesita
con American Express
|
Erika
Erika con sus alumnos
ya no podía trabajar
decidió irse con la Parca
y al inframundo viajar
Ahora ella con los muertos
no necesita trabajar
pasa muy buenos momentos
pero ya se quiere regresar
|
Jueves 5 de agosto del 2004
Cita del día: "... el salvaje no es en modo
alguno tan ilógico e inexperto como pudiera creer cualquier observador
superficial; el salvaje he pensado profundamente en las cuestiones que le atañen
de cerca, razona acerca de ellas y aunque sus conclusiones con frecuencia
difieren muy ampliamente de las nuestras, no debemos negarle el mérito de su
paciencia y su meditación prolongada sobre algunos problemas fundamentales de
la existencia humana (...), a pesar de que nos pueda parecer absurda su
conducta, el salvaje actúa por lo general en una línea de razonamiento que
está en armonía con los hechos de su limitada experiencia"
Sir James George Frazer, La Rama Dorada
Domingo 13 de junio del 2004
Cita del día:
“... el árbol maravilloso, en la verde fronda, del cual brillan
chispeantes reflejos dorados. Así como en el frío invierno muestra el
muérdago su perpetuo verdor y lozanía, huésped del árbol que no le produjo, y
entinta de amarillo con sus bayas el umbroso tronco, así aparecían sobre el
follaje de la encina las hojas áureas y así susurraban las doradas hojas a la
brisa apacible”
Virgilio, Eneida, libro VI
Delirio
No. 1: Astarté
Viajando, siempre viajando. Volando, sí, volando en la oscuridad. Aterrizando
a veces, pero sólo por unos instantes. De nuevo lejos, en otra parte,
deslizándome sobre capas etéreas, sobre aire inexistente, sobre ideas que
flotan alrededor. Llegan sonidos tan distantes y cercanos como el
objeto de mis pensamientos, sonidos que están en mí y están lejos; objeto que
puedo abrazar pero no puedo sentir, que me alegra, que me duele, que me hace
sonreír, que me mata. Ahora todo se aclara, hay sólo luz. Tan a tientas como
en las tinieblas, brillantez que me ciega, ideas que me impiden pensar,
desesperación que me consume al no encontrar un significado, al no tener una
razón, al no saber a que atenerme. Oportunidades imaginarias, realidades que
no pueden verse y pensamientos equivocados tan tangibles como el mundo en sí.
¿Qué debo hacer en este mar de sentimientos encontrados? ¿Qué es lo real?
¿Qué existe sólo aquí, en mi confundida mente, y qué allá afuera, en ese
mundo que ahora tiene un tinte diferente? De nuevo tinieblas, rayos de
colores, sin sentido, fugaces, iluminando espacios de mi mente que se
oscurecen al siguiente instante. Volando cada vez más lento, sí, como si el
viaje estuviera terminando. Es el cansancio, el agotamiento de mis fuerzas
venciendo el impulso que mis ideas han adquirido. Por fin, completamente fatigado,
mi cerebro aterriza, se posa suavemente y queda ahí fijo mientras Morfeo se
apodera de él. Un único instante de calma en el momento entre la vigilia y el
sueño, el instante aquél en que los relojes se detienen y adquieren
flexibilidad inusitada. Después, de nuevo el veloz viaje sin sentido, sin
dirección, sin meta. Esta vez soñando, sin conciencia alguna del mundo
exterior, sumergido por completo en los pensamientos. Un agotador sueño,
lleno de imágenes. No más andar a tientas, pero mucho más sinsentidos. Aquí,
sólo aquí, puedo estrechar el anhelado objeto. Sólo aquí me pertenece tanto
como yo lo desee. Espejismos de un mundo que no es tan afable como la mente
lo dibuja. Y es cansado, sí, es muy cansado mantener el sueño, es difícil
evitar despertar a esa realidad, en la que el objeto está nuevamente cerca y
lejos a un tiempo, en que la belleza del sueño termina y la inseguridad de la
verdad vuelve a aparecer. Despertar para seguir viajando, el mismo vehículo,
mismo destino, diferente camino. Viaje sin destino, travesía que no permite
descanso, que se da mientras trabajo, mientras estudio, mientras duermo,
mientras deseo. Y así ocurre, minuto tras minuto, hora tras hora, hasta uno
de los dos posibles desenlaces: poseer el objeto anhelado o sumergirse en la
locura de la enésima decepción.
Martes 8 de junio del 2004
Sobre la Rama Dorada: Después
de 8 meses, tiempo récord para mí, he terminado de leer la Rama Dorada. Aún
tengo que releer los dos últimos capítulos, pues era tal mi emoción por
terminar que leí esos capítulos en la madrugada, sin mucha claridad en la
mente. A pesar de esto, el mensaje general del libro -la idea del
primitivismo como la base de todas las creencias, supersticiones y actitudes
comunes en el ser humano- se ha quedado grabado en mí. Cada nueva costumbre
que observo en los diferentes lugares que conozco tiene ahora un sentido
diferente, no puedo evitar pensar en las raíces del ritual o creencia
observados y mi mente vaga sobre los miles y miles de ejemplos que la Rama
Dorada me ha mostrado. Escrito de manera magistral, documentado ampliamente,
con datos comprobables y precisos, el libro delinea las formas que el
conocimiento humano ha ido adquiriendo a lo largo de la historia.
El objeto original de la obra es aparentemente sencillo: Había en los tiempos
del Imperio Romano un bosque en Aricia –el bosque de Nemi-, en el que
rondaba día y noche un sacerdote del culto de Diana armado con una
espada y que mataba a cualquiera que entrase al bosque. Este personaje
singular era conocido como el Rey del Bosque o Rex Nemorensis. Si alguna
persona lograba entrar en el bosque, cortar una rama de un árbol específico
y, después, matar al sacerdote, tomaba para sí el título de Rey del Bosque y
sustituía en sus funciones a su víctima. Se cuenta incluso que Calígula,
habiendo considerado que el Rey del Bosque llevaba ya demasiado tiempo en su
puesto, contrató a un rufián para que lo matara y ocupara su lugar. Virgilio
menciona también a la Rama Dorada en la Eneida, cuando Eneas la utiliza para
poder tener acceso a los Infiernos. Turner dedica un bello cuadro al lago del
Bosque de Nemi y lo titula, de igual manera, "La Rama Dorada". El
libro de Sir James George Frazer intenta explicar el porqué de este ritual,
su significado, y la razón por la que se seguía practicando en una época en
la que muchos de los rituales de sangre habían ya desaparecido.
Mediante una extensa investigación, Sir James George Frazer lográ encontrar
la trama oculta por el ritual y, al mismo tiempo, genera una teoría sobre la
evolución del conocimiento humano a través de la historia.
¿Qué puedo decir sobre el libro después de 8 meses de tenerlo como compañero
inseparable? Que lo considero lectura indispensable para quienes desean
entender el entendimiento, encontrar las razones de nuestro razonamiento,
desmitificar las creencias, entender las religiones y, sobre todo, rastrear
el camino de nuestro pensamiento hasta los más lejanos albores de la
inteligencia humana.
Domingo 9 de mayo del 2004
Cita del día: "Ahora
es fácil colegir por qué un salvaje desea participar de la carne de un animal
que considera divino. Comiendo del cuerpo del dios, compartirá los poderes y
atribuciones del dios. Y si el dios lo es del grano, éste será su propio
cuerpo; si es un dios de la vid, el jugo de la uva será su sangre; de manera
que comiendo pan y bebiendo el vino, los fieles participan del verdadero
cuerpo y sangre de su dios.(...) Sin embargo, llega un momento en que hombres
razonables encuentran difícil entender cómo nadie en sus cabales puede
suponer que comiendo pan o bebiendo vino consume el cuerpo o la sangre de una
deidad. "Cuando llamamos al grano Ceres y al vino Baco -dice Cicerón-
usamos una figura retórica vulgar; ¿puede imaginarse que haya alguien tan
loco que crea que la cosa que está comiendo es un dios?""
Sir James George Frazer, La Rama Dorada
Sábado 1 de mayo del 2004
Cita del día: “
Los mitos cambian mientras las costumbres quedan; los hombres siguen haciendo
lo que sus padres hacían antes que ellos, aunque las razones que para ello
tuvieron sus padres se hayan olvidado largo tiempo ha. La historia de la
religión es un prolongado intento de reconciliar viejas costumbres con nuevas
razones, de encontrar una teoría razonable para una práctica absurda”
Sir James George Frazer, La Rama Dorada
Yo te nombro (Sanampay, 1978)
En una Latinoamérica lastimada por las guerrillas y las
dictaduras militares México jugó un papel importante al dar asilo a muchos de
los perseguidos. Entre estos exiliados, se encontraba el argentino Naldo Labrín,
quien formó una importante agrupación de música folclórica y de protesta:
Sanampay. El grupo reunió muchas melodías tradicionales latinoamericanas así
como la obra de muchos de los más importantes autores de protesta de la época
y las interpretó de manera sobresaliente. En Yo Te Nombro lograron una de las
más bellas colecciones de folclor latino, al tiempo que mandaban un mensaje
fuerte para señalar lo que ocurría en América Latina.
Entre las canciones incluidas en el álbum destacan “El Cautivo de
Til-Til”, que narra el apresamiento y la muerte de Manuel Rodríguez,
uno de los próceres de la Independencia chilena; “Yo te nombro”,
un hermoso canto a la libertad, y crítica fuerte a la censura y al abuso que
predominan en América Latina y “Adagio a mi país”, del cantautor
Zitarrosa, un canto al pueblo latinoamericano y una declaración de guerra al
autoritarismo. “En mi país somos miles y miles de lágrimas y de
fusiles”, canta Sanampay, mostrando lo que ocurría entonces en la
región.
En cuanto al folclor, el álbum incluye una composición original de Labrín:
“La danza del maíz”, además de algo de música típica, como el son
mexicano “Arrendao” y la canción peruana “Embrujo”.
Otras canciones como “La bailanta”, “Jacinto Cenobio”
y “Vidala de la copla” hablan de la explotación de los
trabajadores, de la pobreza en el campo y de las penas y el dolor en el
exilio.
El disco es una pieza importante dentro de la ya casi extinta música de
protesta latinoamericana. Plasma no sólo el dolor del pueblo, que sigue sufriendo
debido a que la pobreza y el autoritarismo existen aún en nuestra parte del
mundo; sino que también nos muestra que, a pesar de todo, somos afortunados
de pertenecer a una tierra tan rica y variada. Nos incita a luchar por lo que
nos pertenece, por nuestra tierra. Ésa que, en estos momentos, añoro.
Viernes 19 de marzo del 2004
Cita del día:
"Creyendo que el arroz está animado por un alma como la del hombre, los
indonesios le tratan, consecuentes, con la misma deferencia y consideración
con que tratan a sus compañeros. Así, se conducen con el arroz en flor como
se portan con una mujer embarazada; se abstienen de disparar tiros ode hacer
ruidos fuertes en el arrozal (...) Por esta razón, la siega del arroz se hace
con cuchillos de una forma especial para que el segador pueda ocultar su hoja
en su mano sin aterrorizar al espíritu del arroz hasta el preciso y último
instante, en que su cabeza será abatida casi sin que se dé cuenta."
Sir James George
Frazer, La Rama Dorada
Lunes 15 de marzo del
2004
Canción de la semana
En of the Line (Final de la línea)
Autores: The Traveling Wilburys
Intérprete: The Traveling
Wilburys
Álbum: Vol 1
Año: 1988
Well it's all
right, riding around in the breeze
Well it's all right, if you live the life you please
Well it's all right, doing the best you can
Well it's all right, as long as you lend a hand
You can sit around and wait for the phone to ring (End of the Line)
Waiting for someone to tell you everything (End of the Line)
Sit around and wonder what tomorrow will bring (End of the Line)
Maybe a diamond ring
Well it's all right, even if they say you're wrong
Well it's all right, sometimes you gotta be strong
Well it's all right, As long as you got somewhere to lay
Well it's all right, everyday is Judgment Day
Maybe somewhere down the road away (End of the Line)
You'll think of me and wonder where I am these days (End of the Line)
Maybe somewhere down the road when somebody plays (End of the Line)
Purple haze
Well it's all right, even when push comes to shove
Well it's all right, if you got someone to love
Well it's all right, everything'll work out fine
Well it's all right, we're going to the end of the line
Don't have to be ashamed of the car I drive (End of the Line)
I'm just glad to be here, happy to be alive (End of the Line)
It don't matter if you're by my side (End of the Line)
I'm satisfied
Well it's all right, even if you're old and gray
Well it's all right, you still got something to say
Well it's all right, remember to live and let live
Well it's all right, the best you can do is forgive
Well it's all right, riding around in the breeze
Well it's all right, if you live the life you please
Well it's all right, even if the sun don't shine
Well it's all right, we're going to the end of the line
Sobre la canción: Dos aspectos
son los principales a destacar de esta canción: el arreglo de guitarras y el de las voces.
Respecto al primero, me parece, aunque no podría
asegurarlo, que son nueve las guitarras utilizadas entre rítmicas, requintos
y bajos. Sin embargo, a pesar de este gran contenido de cuerdas,el arreglo no
se complica. Cada guitarra cumple una función específica, sin excesivas
variaciones. Hay cierto barroquismo en el arreglo como conjunto, pero no en
las guitarras individuales. Puede decirse que cada una es complemento
de las demás para formar la "esfera" de sonidos.
En cuanto a las voces, un punto a destacar, dada la dificultad de su
ejecución en un grupo de naturaleza tan efímera es que, aunque tímidamente,
se incluyen algunas armónicas,constrastando con la música ochentera en
general, en la que el uso de voces de fondo -salvo algunas excepciones-
se limitaba a los coros. El arreglo vocal incluye también cierta "rotación",
es decir, no hay una voz líder fija, sino se cambia, no sólo alternando entre
el puente y las estrofas, sino rotando las cinco voces a lo largo de la
canción. Este tipo de arreglos no es muy común. Probablemente se decidió
hacerlo de esa manera para lograr equidad entre los integrantes dada la
naturaleza multiestelar del grupo. Muchas de las canciones de los Traveling
Wilburys siguen este tipo de rotación o manejan la alternancia de voces
estrofa-coro-puente, muy probablemente con el objeto de no destacar a ninguno
de los integrantes por encima de los demás.
En suma, tanto las guitarras como las voces se arreglan de forma magistral y
poco común, logrando un sonido con un ligero toque campirano y rockero a la
vez, con algunas reminiscencias del sonido sesentero. Es una canción que
mantiene una estructura simple, sin demasiadas variaciones, pero que muestra
y contagia energía y alegría.
En cuanto a la letra, ésta trata de dar un mensaje optimista, con algunas
frases interesantes pero sencilla en realidad. El conjunto de la canción es
excelente y espero les agrade.
Jueves 11 de marzo del 2004
Cita del día:
"El matrimonio es el único gran disparate que se puede hacer en público
con el consentimiento de dos familias (...) Johann W. Goethe dijo que en un matrimonio
sólo se evitarán las riñas y los conflictos si el marido vive en el Sur y la
mujer en el Norte. Es una regla buena, pero que, desde luego, falla en los
países de escasa extensión"
Noel Clarasó
Vol 1 (Traveling Wilburys, 1988)
En el año de 1988 un grupo supuestamente formado por 5 medios hermanos, hijos
de Charlie T. Wilbury y de sus cinco esposas, apareció repentinamente y se
esfumó de la misma manera. El grupo se llamaba Traveling Wilburys y su disco
debut tenía el más que sencillo nombre de Vol 1. Sus integrantes
eran Nelson Wilbury, Charlie T. Wilbury Jr., Lefty Wilbury, Lucky Wilbury y
Otis Wilbury, quienes, más tarde se supo, no eran otros que George Harrison
(ex-beatle), Tom Petty (Tom Petty & the Heartbreakers), Roy Orbison
(conocido por su éxito sesentero "Pretty Woman"), Bob Dylan (The
Band) y Jeff Lyne (Electric Light Orchestra) respectivamente.
El grupo se formó de manera un tanto fortuita: Jeff producía el disco de
Harrison y el de Orbison. Éste se ofreció a cantar en el disco de George. El
único estudio disponible era el de Dylan y Harrison fue a recoger su guitarra
a casa de Tom, en donde la había dejado. Harrison no sabía en que canción
incluir a Orbison, Dylan le sugirió una de su repertorio (Handle With Care) y
Lyne decidió que la canción quedaría mejor si todos participaban.
Así surgió Vol 1, disco en el que los cinco cantautores muestran su faceta
más "simple", alejados de la presión de un disco en solitario, sin
los compromisos de una banda formal y sin siquiera tener la necesidad de
poner sus nombres en el álbum.
El disco se construyó, por lo tanto, con la misma motivación con que se
hicieron los primeros discos de rock: sólo por diversión. El resultado es una
colección de canciones de construcción muy sencilla y, a la vez, con
excelentes arreglos sin caer en la tentación ochentera de exagerar con los
efectos de producción. Las letras varían desde una colección de frases
incoherentes hasta algunas con mensaje de protesta. Hay canciones de amor, de
desilusión y de alegría, pero todas tienen el sello de la broma que significó
el álbum para sus integrantes. También se nota la broma en el diseño del
disco, que aparece publicado por la subdivisión de la corporación
Trans-Wilbury de Bulgaria/Mongolia.
Entre los temas incluidos, resaltan el ya mencionado "Handle With
Care", "End of the Line" y "Heading for the
light".Estas canciones llevaron al álbum al número 3 en Estados Unidos y
le valieron también un Grammy.
El grupo se disolvió inmediatamente después de lanzado el disco. Sin embargo,
a raíz de la muerte de Orbison en diciembre de 1988, los cuatro miembros
restantes se unirían para sacar un segundo disco en tributo a su difunto
compañero. Este álbum -Vol 3, nunca hubo un Vol 2- mantiene la esencia
del primero, aunque la privilegiada voz de Orbison es una ausencia notable.
Dado que el grupo no era lo mismo sin el fallecido músico, los cuatro
integrantes sobrevivientes volvieron a cambiar sus nombres: Harrison fue
Spike Wilbury, Dylan, Boo Wilbury; Lyne, Clayton Wilbury y, finalmente, Petty
tomó el nombre de Muddy Wilbury.
Dado que los cinco miembros del grupo eran guitarristas, se contó con la
participación de los llamados "Sideburys": Jim Keltner en la
batería, Jim Horn en el sax, Ray Cooper en las percusiones y Ian Wallace en
los toms toms que se escuchan en "Handle With Care".
Vol 1 fue un disco que, por su simplismo, resaltó entre todo el exceso de
producción y arreglos que marcó la música de los años 80. Volviendo a las
raíces del rock y el pop, este disco olvidado por el mundo es, sin embargo,
un recordatorio de los motivos por los que surgió el rock ‘n roll. El
hecho de que los miembros del grupo hayan sido, antes que Wilburys, pioneros
del rock, le da, además, un sabor especial a esta desconocida joya de los
años 80.
12:52 hrs
Comentarios
Lunes 1 de marzo del 2004
Canción de la semana
En esta ocasión he logrado comprimir la canción a un solo
archivo que puede descomprimirse con WinZip. Sólo hay que dar click en el
título.
Crimson and Clover (Trébol y carmesí)
Autores: Tommy James y Peter Lucia
Intérprete: Tommy James & the Shondells
Álbum: Crimson and Clover
Año: 1968
Ah . . .
Now I don't hardly
know her
But I think I could love her
Crimson and clover
Ah . . .
Well if she come walkin' over
Now I been waitin' to show her
Crimson and clover
Over and over
Yeah
My mind's such a sweet thing
I wanna do everything
What a beautiful feeling
Crimson and clover
Over and over
Crimson and clover, over and over
Sobre la canción:
Compuesta por el primer
grupo hippy cuya música se escuchó en México,
Crimson and Clover es la canción
de mayor éxito de Tommy James & the Shondells, agrupación con algún éxito durante
la segunda mitad de los años 60s. La
canción muestra algo del sonido "bubblegum" mezclado con el sonido
sicodélico, más pesado, de los grupos de San Francisco. Existen dos versiones
de la canción, una corta, con sólo una parte instrumental, y una larga -de
más de 5 minutos- con dos puentes instrumentales. En 1981 Joan Jett haría un
cover de la canción en su disco "I Love Rock'n Roll".
Extremadamente sencilla en los arreglos, la producción e inclusive en la
letra, esta canción es un clásico surgido del "verano del amor" de
1967 y del movimiento hippy que le sucedió.
Sábado 28 de febrero del 2004
Cita del día:
"Quien lo enaltece como dios del amor no tiene del amor una noción
bastante elevada. ¿No se erigió ese dios también en juez? Sin embargo el
amante ama más allá del premio y del castigo.
En su juventud, este dios de Oriente fue severo y rencoroso y se construyó un
infierno para deleite de sus favoritos.
Pero, finalmente, se volvió viejo y dócil, condescendiente y sensible, más
parecido a un abuelo, y aún más a una decrépita abuelita, que a un padre.
Agobiado y enfermizo, estaba sentado junto a la estufa apenado porque le
flaqueaban las piernas, hastiado del mundo, con la voluntad fatigada; y un
día pereció a su piedad excesiva"
Friedrich Nietzche, Así hablaba Zaratustra
Miércoles 25 de febrero del 2004
Cita del día: "Isn't
it a pity
Isn't it a
shame
How we break each other hearts
And cause each other pain
How we take each other love
Without thinking anymore
Forgetting to give back
Isn't it a pity?"
George Harrison, "Isn't it a Pity" All things must pass
Harrison
El día de hoy es especial, y no precisamente porque es miércoles de ceniza,
sino porque hoy sería el cumpleaños número 61 de George Harrison, quien
muriera en noviembre del 2001. La vida de este personaje después del
rompimiento de los Beatles es un tanto desconocida. Muy pocos saben, por
ejemplo, que fue él quien, en 1971, organizó el primer concierto de rock con
motivos altruistas, logrando reunir a artistas de la talla de Ringo Starr,
Bob Dylan, Eric Clapton y Ravi Shankar entre otros. Su discografía post-beatle
es también muy poco conocida: comenzó en 1970 con All Things Must Pass,
del que ya se ha hablado en esta página; en 1971 salió el disco del concierto
para Bangladesh, siguió con Living in the Material World de 1972 y Dark
Horse de 1974 para después seguir con una larga carrera descendente con
discos como Extra Texture, 33 1/3, George Harrison, Somewhere in England
y Gone Troppo. Entre estos, apenas es posible encontrar alguna canción
rescatable. Entre estas encontramos "Blow Away",
"Faster", "Beautiful Girl", "Here Comes the
Moon" -mucho más pálida que su contraparte solar-, y "All Those
Years Ago", escrita en honor a John Lennon después del asesinato de
éste. Afortunadamente, en 1987, Harrison volvió a la senda del éxito con el
disco Cloud Nine, que incluía canciones como "I've Got My Mind
Set on You" y "When We Was Fab". Durante ese mismo año y el
siguiente, se juntó con Bob Dylan, Jeff Lyne, Tom Petty y Roy Orbison para
formar los Traveling Wilburys, que publicarían Vol 1 y, después
de la muerte de Orbison, un segundo disco: Vol 3. En 1992, Harrison se
unió a Eric Clapton en una gira por Japón y lanzó el álbum en vivo Live in
Japan. A partir de entonces, Harrison vivió en completo retiro,
dedicándose a la jardinería. Fue atacado a finales de diciembre de 1999 por
un maniático que logró colarse en su casa. En el año 2000, Harrison volvió al
estudio para relanzar All Things Must Pass. Para el siguiente año, se
planeaba sacar un disco con el título Your Planet is Doomed, que,
debido a la batalla que debió librar Harrison contra el cáncer, no se podría
completar en vida del autor. Las grabaciones que Harrison logró hacer en los
meses previos a su muerte en noviembre del 2001 se utilizaron para formar el
álbum Brainwashed, que saldría a mediados del 2002.
Harrison también incursionó en el mundo del cine como productor. Creó en 1978
HandMade Films, rescatando una película de los comediantes británicos Monty
Python: Life of Brian.
Sin ser el principal -ni siquiera el segundo en importancia- dentro de los
Beatles, Harrison atrajo un grupo de seguidores que buscaban una alternativa
a lo comercial. Mientras McCartney se olvidaba de que había sido un Beatle y
Lennon tenía la no muy buena idea de componer junto a Yoko, Harrison decidió
llevar al mundo un mensaje de paz interior, un mensaje de amor al prójimo que
quizo enviar incluso desde su lecho de muerte. Sus últimas palabras,
repitiendo una frase que se dijo hace casi 2000 años, no podían ser más
adecuadas a la ideología que siguió durante su vida: ámense los unos a los
otros. Su muerte fue dolorosa para el mundo. En mi caso, vi frustrado uno de
mis pocos planes a largo plazo, que era algún día llegar a conocerlo. Dado
que ese anhelo se vio truncado, cada aniversario de su muerte o de su
nacimiento me gusta dedicarle un pequeño homenaje. Hoy es éste.
Después de su muerte, varios escritores, entre ellos José Agustín, rindieron
sentido homenaje a Harrison. Entre todos los textos publicados al respecto
con los que cuento, me gustaría, transcribir la editorial del Unomásuno del 1
de diciembre del 2001, que me parece refleja lo que la vida y la muerte de
Harrison significó en un entorno violento generado en especial después de los
ataques del 11 de septiembre:
Harrison y la paz
Lo quería ver, estar con Él, pero tomaba tiempo, dice la letra de Mi dulce
señor, uno de los grandes éxitos de George Harrison como solista. Pasaron 58
años para que el ex Beatle, místico y tímido, se encuentre, tal vez, con una
parte de sus convicciones.
Más allá de la revolución musical iniciada por los Beatles, éstos representan
a la generación de los sesenta, década plena de reflexión, donde frente a la
guerra aparece el amor libre, la rebelión clama contra el autoritarismo y el
desafío mella los valores establecidos. La música del cuarteto de Liverpool
respondía a las inquietudes de esa generación y las encarnaba en notas y
filosofía de la vida.
En este sentido se podría decir que Harrison fue el alma del grupo.
Silencioso, no afecto al protagonismo, entregado a sacar magia de su
guitarra, fue quien muchas veces mantuvo la unidad entre los cuatro y quien
los llevó por los caminos del misticismo.
Lejos de ser un fenómeno puramente musical el legado de los Beatles ayudó a
acercar generaciones. Desde hace 40 años, pese a los cambios en los gustos
musicales, el punto de referencia es el cuarteto surgido en un pequeño bar de
puerto.
Las voces de gobernantes y líderes de encontradas tendencias ideológicas se
sumaron ayer a las milas de muestras de respeto y pesar por la muerte de
Harrison, en un hecho no político, sino humano. Todas las agencias
informativas y muchos de quienes expresan condolencias resaltan el misticismo
del ex Beatle como un valor. Parece un síntoma de la descomposición que busca
de qué aferrarse para no perderlo todo.
"Murió con un pensamiento en la mente: ámense los unos a los
otros", comentó Gavin de Becker, un viejo amigo de la familia. Este
mensaje emitido casi dos mil años atrás por otro enamorado de la paz, más que
religioso, es político, en momentos en que las grandes potencias activan una
guerra colosal contra un pueblo que ha pagado con muchas vidas las culpas de
un enemigo invisible y el terrorismo de Estado, delincuencial, narco y
político asesina cada día a inocentes.
Mientras John Lennon, el Beatle asesinado en Nueva York, clamaba por la paz
mundial, bajo la filosofía del amor y la paz, Harrison se preocupaba más por
la paz interior. Dos puntos de vista; una sola preocupación: la no
destrucción del hombre por el hombre.
Los acordes de la virtuosa guitarra de Harrison acompañaron ayer las
actividades de mucha gente y, a ritmo de Here Comes the Sun, más de uno
permitió dar rienda suelta a la nostalgia.
Entre la sonrisa de George mostrada por la televisión y la dulce My Sweet
Lord iba quedando claro que el rockero de las largas barbas será extrañado.
Ya instalada la nostalgia, las imágenes sesenteras del genial cuarteto
resultaron irresistibles a los recuerdos de aquella defensa juvenil de la
paz, un bien extraviado hace siglos.
Harrison devolvió al mundo un poco de los símbolos de un movimiento pacifista
que hoy falta, y lo remitió a la década emblemática de la protesta. Se hizo
imposible no pensar en los pioneros de la lucha por los derechos civiles, tan
diezmados en estos días.
Lunes 23 de febrero del 2004
Cancion de la semana
Deben bajarse todas las partes de la canción y abrir la parte 1 utilizando WinRar. En la liga puede bajarse una versión de
prueba que funciona bastante bien. No sé si también pueda utilizarse WinZip.
Komm Süßer Tod (Ven, Dulce
Muerte)
Álbum: End of Evangelion
Letra: Hideaki Anno y
Mike Wizgowski
Música y Arreglos: Shiro Sagisu
Intérprete: Aianne
Idioma original: Inglés
Año: 1995
I know, I know I've let you down
I've been a fool to myself
I thought I could live for no one else
But now through all the hurt and pain
It's time for me to respect
the ones you love mean more than anything
So with sadness in my heart
I feel the best thing I could do
is end it all
and leave forever
what's done is done, it feels so bad
what once was happy now is sad
I'll never love again
my world is ending
I wish that I could turn back time
'cos now the guilt is all mine
can't live without the trust from those you love.
I know we can't forget the past
you can't forget love and pride
because of that it's killing me inside
It all returns to nothing, it all comes
tumbling down, tumbling down, tumbling down,
it all returns to nothing, I just keep
letting me down, letting me down, letting me down,
In my heart of hearts,
I know that I can't never love again
I've lost everything
everything
everything that matters to me,
matter in this world
I wish that I could turn back time
'cos now all the guilt is mine
can't live without the trust from those you love
I know we can't forget the past
you can't forget love and pride
because of that, it's killing me inside
It all returns to nothing, it all comes
tumbling down, tumbling down, tumbling down
it all returns to nothing, I just keep
letting me down, letting me down,letting me down
It all returns to nothing, it all comes
tumbling down, tumbling down, tumbling down
it all returns to nothing, I just keep
letting me down, letting me down, letting me down
Sobre la canción: Escrita originalmente en japonés por Hideaki Anno y traducida al inglés por Mike Wisgowski la canción formó parte del soundtrack de la película
de animación "End of Evangelion",
dirigida por el mismo Anno. En
dicha película se incluyeron algunas otras canciones en inglés, pero
"Komm Süsser Tod" fue la que recibio mejor acogida por parte del
público angloparlante. Las razones por las que la letra no se dejó en japonés
me son desconocidas, pero mi opinión es que, dada la íntima relación entre la
letra y las imágenes en la pantalla, Anno decidió incluirla en inglés para
que fuera entendida por un mayor porcentaje del público mundial, pues era
obvio que quien hiciera el subtitulaje y/o doblaje de la cinta se preocuparía
más por traducir los diálogos que se superponen a la canción que la letra de
la misma.
A pesar de formar parte de un soundtrack, me parece que la canción tiene
méritos por si misma. La música es un tan convencional, y, si se presta
atención, se puede descubrir que la secuencia de acordes es muy similar a la
del Canon en D de Pachelbel. La letra en cambio, implica la inmersión dentro
de una mente suicida, creo que, al menos en mi caso, ese tipo de pensamientos
vendrían a mí en el último momento.
Domingo 22 de febrero del 2004
Cita del día: "Le
parecía estar encerrada en una caverna rodeada de riquezas incontables que se
hacían cada vez más y mayores y amenazaban asfixiarla. Y no había salida.
Nadie podía llegar hasta ella y ella no se podía hacer notar a nadie, tan
aplastada estaba bajo una montaña de tiempo.
Incluso llegaron horas en que deseaba no haber oído nunca la música ni haber
visto los colores. No obstante, si la hubiesen dado a elegir, no habría
renunciado a ese recuerdo por nada del mundo. Aunque se hubiera muerto por
ello. Pues eso era lo que vivía ahora: que hay riquezas que lo matan a uno si
no puede compartirlas."
Michael Ende, Momo
Hambre (Knut Hamsun, 1890)
Novela con tintes autobiográficos que narra los infortunios de
un escritor perdido en la ciudad de Cristianía, hoy Oslo, en donde le es
imposible conseguir dinero siquiera suficiente para alimentarse. Knut Hamsun
criticaba a los escritores de su época acusando a los personajes que se
creaban en ese entonces de estar alejados de un modelo verdaderamente humano.
En "Hambre", su primera novela exitosa y que logró sacarlo de su
pobreza, la descripción de la angustia física y sicológica del personaje es
llevada al papel con una maestría propia de alguien que llegaría a ganarse el
Premio Nobel de Literatura.
Abandonando el modelo tradicional, en que los protagonistas de una novela
tienen ciertos valores, virtudes y vicios definidos, Hamsun crea un personaje
dinámico, mucho más humano. Nos muestra a un hombre que se despoja de sus
pertenencias con tal de poder comer, empeñando primero sus pocos libros, para
seguir con su chaleco y terminar incluso intentando vender los botones de su
camisa. El orgullo y los principios de honestidad que le han inculcado y que
le impiden mendigar o robar, se tambalean hasta que, sumido en la locura
causada por el hambre y la desesperación, por el desprecio de que es objeto
por parte de su amada y por el fracaso en sus intentos de escribir algo que
pueda publicarse, nuestro personaje se atreve a pedir dinero e intenta
empeñar un objeto que no le pertenece, situación que agrava aún más sus
dilemas interiores y que lo obliga a luchar no sólo contra la inanición, sino
contra los ataques de su conciencia.
Pocos escritores pueden crear una esfera alrededor de un personaje que
abosrba tanto como lo hace Hamsun en esta magnífica obra. En mi ya larga
inmersión en el mundo de los libros, sólo otro personaje, Rodia Raskolnikov,
de "Crimen y Castigo", había logrado contagiarme de sus emociones y
sentimientos. Estar dentro de la cabeza del personaje, acompañar sus
pensamientos a cada momento y vivir en carne propia el clímax de la
desesperación, eso es lo que logra Hamsun en esta obra maestra.
"Hambre" es, en resumen, una gran aportación a la literatura
occidental, y una de las grandes novelas del que es considerado, por muchos,
uno de los mejores escritores de finales del siglo XIX. A la novela le
seguiría la muy extraña "Misterios", que es considerada una de las
seis realmente grandes novelas del siglo XX (aunque originalmente se publicó
en 1892).
00:52 hrs
Comentarios
Viernes 13 de febrero del 2004
Cita del día: "A
vague haze of delirium
creeps up on me.
All at once a tall stranger I suddenly
see.
He's dresses in a silver sparkled
glittering gown
and his golden beard flows
nearly down to the ground (...)
His eyes are the eyes that
transmit all they know.
Sparkle warm crystalline glances to show
that he is your leader
and he is your guide
on the amazing journey
together
you'll ride"
TheWho, "Amazing Journey", Tommy
Tommy,
la película (Ken Russell, 1975)
Dado el gran éxito de la ópera rock Tommy, el grupo The
Who buscó llevarla primero al teatro y, posteriormente, al cine. Para
este propósito, contactaron al director Ken Russell, conocido por
“Women in Love”, quien aceptó, no sólo dirigir, sino producir y
escribir la adaptación a la pantalla.
Basado en la ópera original y en un guión previo escrito por Kit Lambert,
Russell concibió la historia que se plasmaría en la pantalla. Su idea era que
la película no debía contener ningún diálogo que no fuese parte de una
canción, por lo que solicitó a Pete Townshend algunas canciones extras para
completar el libreto. Estas canciones fueron “Champagne” y
“Bernie’s Holiday Camp”. Algunas otras de las canciones
originales tuvieron que ser modificadas para adaptarse a la idea de Russell.
Entre ellas se encuentra “Amazing Journey”, cuya letra era originalmente
una descripción en primera persona y pasó a ser en tercera persona.
El director cambió también el momento histórico en que se desarrollaba la
historia original. Mientras en la ópera la canción “1921” nos
hace suponer que la guerra en que murió el Capitán Walker fue la Primera
Guerra Mundial, en la película la canción pasó a ser “1951” y,
por tanto, la muerte del Capitán se dio durante la Segunda Guerra. Varias
canciones cambiaron su sentido al trasladar su narración 30 años al futuro.
“Eyesight to the blind”, por ejemplo, que hablaba acerca de una
mujer que supuestamente tenía el poder de curar a los lisiados, pasó a ser
una canción interpretada por un “sacerdote” de un culto
clandestino a Marilyn Monroe. Un cambio grande que no requirió alterar ni una
sola palabra de la canción gracias a la fuerza del contexto generado en la
película.
En la versión de Russell, el pinball, que en la ópera había sido sólo una
especie de accidente, adquiere un rol protagónico en el desarrollo de la
historia. Además, desde el inicio hasta el final de la cinta, la película
está llena de referencias a dicho juego.
Otro detalle importante añadido por Russell es el momento crucial de la
ópera, en que Tommy se enfrenta a una situación que lo lleva a volverse
sordo, ciego y mudo. Mientras en la obra original sólo escuchamos a la madre
de Tommy tratando de convencerlo de que no ha visto ni oído nada sin ninguna
mención a lo que pudo haber ocurrido, en la película fue necesario llenar ese
hueco en la historia, por lo que Russell y The Who decidieron añadir la
escena en que el padre de Tommy vuelve después de haber sido dado por muerto
y es asesinado por su esposa y el amante de ésta mientras el niño observa
horrorizado.
Uno de los cambios realizados por Russell respecto a la obra original y que
me parece imperdonable es el haber cambiado la opertura. En lugar de la
magnífica composición original de Pete Townshend, Russell introduce una
versión distinta, plagada de instrumentos ajenos a los originales y con
efectos de sonido más apropiados de un circo que de una ópera rock.
Acerca de todos estos cambios en la idea original, John Entwistle, bajista
del grupo, comentó: “No fue sino hasta que Ken Russell hizo su versión
que entendí lo que era la historia, y me di cuenta de que él estaba
mal”.
A pesar de todo esto, el resultado final es bastante más que aceptable. No
soy un crítico de cine nato, pero me parece que a la película no le sobre ni
le falta un cuadro. El manejo de simbolismos pictóricos adicionales a los ya
incluidos en la banda sonora es excelente. Durante la canción “Amazing
Journey”, que narra la caída (o elevación) de Tommy hacia su
mundo completamente aislado, vemos únicamente escenas simbólicas: la Sra.
Walker y su amante, conduciendo al niño por un pasillo oscuro, los aviones de
combate convirtiéndose en cruces, el niño en la playa con la cabeza dentro de
una caja oscura, etcétera, son metáforas visuales sobre los pensamientos de
Tommy en ese momento en que huye del mundo exterior. Las luces de feria que
aparecen contrastan con el oscuro mundo interno de Tommy.
La película también tiene éxito en plasmar, ya sea mediante símbolos o
metáforas o explícitamente, lo que fue la generación de la posguerra: los
Mesías que surgían en cualquier lado, el culto sectario a los personajes
sobresalientes de la política y del espectáculo, la juventud inmersa en un
mundo de drogas, el auge del sicoanálisis, el rompimiento generacional
absoluto entre las generaciones de antes y después de los 60s, la aparición
de los primeros músicos “prefabricados” (que se ven claramente representados
en el marido de Sally Simpson: un músico de rock con el cuerpo de
Frankenstein), sin olvidar que a mediados de los años 60s fue también el auge
del pinball.
También se incluyen en la cinta algunas referencias y ataques indirectos al
cristianismo. En la secuencia de “Christmas”, por ejemplo, vemos
al pequeño Tommy siendo acusado de “no saber que día es, no saber quien
es Jesús, no saber lo que es orar, ¿cómo podrá salvarse de la tumba
eterna”. Al recibir de regalo un Nacimiento, Tommy lo destruye. Hacia
el final de la película, cuando Tommy es venerado como un Mesías, observamos
varias similitudes entre él y Jesús: la corona de espinas, el cabello largo,
y el símbolo de la “T” con una bola de pinball encima de manera
que asemeja un crucifijo.
La trama en general de la película, salvo los cambios antes mencionados, es
casi idéntica a la de la ópera. Sigue la misma estructura y añade algunos
detalles. La mayoría de las canciones permanecieron sin modificaciones en la
letra y sólo ligeros cambios en la música. La producción y el reparto fueron
multiestelares: además de Russell, Robert Stigwood participó como
co-productor; entre los actores y actrices encontramos al símbolo sexual de
la época, Ann-Margret, interpretando a la Sra. Walker; Oliver Reed fue el
amante; Elton John apareció como el “Pinball Wizard” (haciendo su
propia y magnífica versión de la canción original); Eric Clapton fue el
sacerdote de Marilyn Monroe; Jack Nicholson fue el sicoanalista; Tina Turner,
la gitana y Robert Powell interpretó al Capitán Walker. Los integrantes de
The Who aparecen también en la película: Pete Townshend y John Entwistle sólo
como “extras”, mientras que Keith Moon es el Tío Ernie y Roger
Daltrey es Tommy. Este último personaje había sido tantas veces representado
por Daltrey durante las giras y conciertos previos que llegó a involucrarse
por completo en él aun antes de que se planeara hacer la película. Su
actuación es sobresaliente, si consideramos que no era actor de profesión.
La película obtuvo algunos reconocimientos “oficiales”:
Ann-Margret estuvo nominada al Óscar a mejor actriz por su desempeño en
Tommy, y ganó el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia musical. Además,
pasó a la historia como la primera película en ser filmada y presentada con
sonido en cinco canales, toda una revolución para la época.
Esta película es una pequeña joya del que fuera el corto pero productivo
período del auge de la ópera rock. No importa si Tommy es una producción
enferma o una obra maestra: el hecho es que ofrece un rock simple, sin
adulterar. Aún más, la película logró capturar la magia, o lo que hubiera
sido, que existía en los 60s.
00:59 hrs
Comentarios
Jueves 12 de febrero del 2004
Cita del día: "Los
ídolos infunden respeto, admiración, cariño y, por supuesto, grandes
envidias.Cortázar inspiraba todos esos sentimientos como muy pocos
escritores, pero inspiraba además otro menos frecuente: la devoción"
Gabriel García Marquez
Tommy (The Who, 1969)
The Who ha sido considerado como uno de los grupos ingeleses de
rock más importantes de los 60s y 70s. Pertenecieron, junto a los Beatles y a
los Rolling Stones, a la que podríamos llamar "la primera ola" de
la "invasión inglesa". Aprovechando que el mercado norteamericano
se había abierto al rock inglés gracias a "I Want To Hold Your
Hand" de los Beatles, The Who se posicionó muy bien dentro de los gustos
de la juventud en ambos hemisferios. Sin embargo, durante sus primeros años,
el grupo tuvo éxito sólo con sus sencillos y no con sus álbumes. Fue hasta
1969 cuando, el grupo grabó el LP que los inmortalizaría: Tommy, que
terminaría siendo una de las más grandes obras del rock inglés de los 60s.
Tommy era diferente al resto de los discos de rock grabados hasta entonces
porque no solamente manejaba un concepto, como lo había hecho el Sargento
Pimienta en 1967, sino porque fue el primer intento de escribir una ópera
utilizando música de rock. La idea surgió cuando, en 1966, Pete Townshend,
compositor y guitarrista del grupo, grabó una canción experimental titulada
"Gratis Amatis" que consistía en 10 minutos de voces cantando
"Gratis Amatis" una y otra vez. La canción era horrorosa, y todos
quienes estaban escuchándola comenzaron a reírse. Uno de ellos gritó por
encima de todos "eso es ópera rock", lo que aumentó las risas de
todos, menos del manager del grupo, Kit Lambert, quien dijo "e ahí una
idea".
Durante los dos siguientes años, Townshend fue armando la ópera. Durante esa
época, el compositor se encontraba en una etapa de rechazo a las drogas
sicodélicas y en pleno descubrimiento del misticismo. La premisa de la ópera
que desea ba componer era que todos tenemos cinco sentidos, pero somos ciegos
a la Realidad y al Infinito. Decidió, por tanto, que "el héroe tenía que
ser sordo, mudo y ciego, para que, visto desde nuestro limitado punto de
vista, sus limitaciones fueran simbólicas de las nuestras".
La construcción de la ópera se basó mucho en el azar. En una de las
grabaciones, por ejemplo, se apareció un crítico de rock muy reconocido, Nic
Cohn, que era fanático del pinball. Como el grupo necesitaba que apareciera
un buen artículo sobre su proyecto, le dijeron a Cohn que el personaje
principal de su ópera iba a ser jugador de pinball. La respuesta de Cohn fue:
"será una obra maestra". Esa misma noche, Townshend escribió la
canción "Pinball Wizard", que incluyó en la ópera.
"Pinball Wizard" ayudó a darle a la ópera un tono menos serio que
el que estaba adquiriendo. Demasiado metida en rollos religiosos, la
obra pudo haber fracasado de no ser por el toque de frescura que significó la
canción.
El disco terminado era una verdadera obra de arte . Lambert, al imprimir el
primer vinilo, declaró el álbum "una pieza maestra" y quemó la
cinta maestra en un acto solemne. Años más tarde, cuando se iba a sacar el
álbum en CD, fue necesario regresar a las cintas sin editar y rehacer todo el
trabajo de producción, tratando de ajustarse a lo hecho originalmente. Por
esta razón, muchos fans dicen que la versión del disco de vinilo es
mucho mejora la del CD.
La historia de la ópera, aunque no demasiado sobresaliente y apenas
interesante, es una historia completa, redonda. El capitán Walker muere,
probablemente durante la Primera Guerra Mundial, esto no está del todo claro,
pero la canción "1921" así lo hace suponer. Poco después, su esposa
da a luz a un niño: Tommy. La Sra. Walker rehace su vida casándose de nuevo.
Cuando Tommy es aún muy pequeño es testigo de algo, que no se menciona en la
ópera, pero que es tan malo que su padrastro y su madre le insisten en que lo
olvide, que nunca lo vio, que nunca lo escuchó y que nunca hablaría a nadie
sobre lo que pasó. El objetivo de la ópera era dejar este hecho (que aparece
en la canción "1921") como un misterio desconocido y ambiguo, para
que la gente hiciera suposiciones al respecto. Más tarde, cuando la obra se
presentó en el teatro y se hizo una película, hubo que rellenar estos huecos
en la historia. A partir de ese momento "misterioso", Tommy se
vuelve ciego, sordo y mudo, un autista en toda la extensión de la palabra. La
ópera narra los abusos de que es objeto, su desgarradora vida interior, su
descubrimiento del pinball y su éxito en dicho juego. El clímax de la obra
viene con el despertar de Tommy, la recuperación de sus sentidos y la
creencia popular de que él es el nuevo Mesías y que la salvación consiste en
ser ciego, mudo y sordo. Hacia la conclusión vemos el fracaso de Tommy por
lograr la aceptación de su doctrina y somos testigos de su decadencia hasta
su esperado desenlace.
Hablando en términos musicales, Lambert no se equivocaba al decir que el
álbum era una obra maestra. La historia de la ópera puede no ser muy
interesante, pero la música es sublime. Si la historia hubiera sido cualquier
otra, aún una ordinaria historia de amor, el éxito del disco habría sido el
mismo, pues es increíble la manera en que las canciones se desdoblan, como
una canción parece la consecuencia natural de la anterior y la precuela
exacta de la que le sigue. Townshend luchó para que Lambert no incluyera
violines ni demás instrumentos extras, por lo que el disco tiene un sonido a
rock verdaderamente puro. Los rasgueos de guitarra en la opertura son
excelentes, el trabajo en la batería impecable (Keith Moon, baterista de los
Who, es de hecho considerado el mejor baterista de todos los tiempos y fue el
primero en utilizar el doble bombo). Además de esta opertura, el disco incluye varias canciones excepcionales: "1921", "Amazing
Journey", "Christmas", "Pinball Wizard", "Go to
the Mirror!", "Sensation", "I'm Free", "Sally
Simpson", y "We're Not Gonna Take
It". En las 24 canciones del disco hay
ciertos "motivs" instrumentales y vocales que le dan unidad a la
obra como tal. Uno de ellos es el inmortal "See me, Feel me, Touch me,
Heal me", el grito de auxilio de Tommy, y en el que la voz de Roger
Daltrey adquiere tonos que desgarran el alma de quien lo escucha. El coro
final con la voz privilegiada de Daltrey logra que las emociones nos
embarguen mientras lo escuchamos. Las interpretaciones instrumentales
"Overture", "Sparks" y "Underture" nos
transportan a un mundo de luces, tan tangibles como si pudiéramos verlas. La
letra de "Amazing Journey" nos lleva por los rincones insospechados
de la mente: "Sickness will surely take the mind, where minds can't
usually go". En este caso, la música es la que nos lleva a esos lugares
que nuestra mente no frecuenta. El disco hay que escucharlo siguiendo una
recomendación que nos hace un personaje de la película "Almost
Famous": "Escucha Tommy cuando sólo haya luz de velas".
Tommy fue el mayor éxito y también lo peor que le pudo pasar al grupo, que
terminó tan opacado por su propia obra al grado de que mucha gente pensaba
que Tommy era el nombre del grupo. Los trabajos posteriores de la banda
fueron ignorados por los fans y por los críticos. Cuando se les contrataba
para un concierto se les ponía como condición que tocaran la ópera. Durante
estas presentaciones el público llegó a mostrarse distante hasta que
comenzaban a sonar los acordes de la opertura. En pocas palabras, el creador
fue destruido por su obra. El siguiente proyecto del grupo, "Lifehouse
project", fue abandonado y "Quadrophenia", aun cuando recibió
buenas críticas, no logró el mismo impacto que Tommy.
Hay que agradecer, a pesar de todo, que esta obra haya visto la luz. Es otra
de las grandes obras que los 60s aportaron para que sea disfrutada por todas
las generaciones, pasadas, presentes, y venideras.
01:33 hrs
Comentarios
Martes 10 de febrero del 2004
Cita del día: “El
infortunio es vario. La desgracia es multiforme sobre la tierra. Dominando el
amplio horizonte como el arco iris, sus colores son tan variados y tan
distintos como los de este arco, y, no obstante, están asimismo tan
íntimamente unidos. ¡Dominando el amplio horizonte como el arco iris! ¿Cómo
he podido extraer un tipo de fealdad, de un ejemplo de belleza? ¿Cómo, del
signo de alianza y de paz, un símil de dolor? Pero, lo mismo que en la ética,
consecuencia del bien es el mal, así también, en la realidad, de la alegría
nace la pena, ya sea porque el recuerdo de la dicha pasada forme la angustia
de hoy, o bien porque las angustias que son tengan su origen en los
éxtasis que pudieron haber sido”
Edgar Allan Poe, Berenice
Lunes 9 de febrero del 2004
Cita del día: "Pensándolo
después -en la calle, en un tren, cruzando campos- todo eso hubiera parecido
absurdo, pero un teatro no es más que un pacto con el absurdo, su ejercicio
eficaz y lujoso."
Julio Cortázar, "Instrucciones para John Howell", Todos los
fuegos el fuego
El maravilloso viaje de Nils
Holgersson (Selma Lagerlof, 1907)
Escrito a petición de autoridades escolares suecas, este
libro es reconocido como la obra maestra que llevó a Selma Lagerlof a ser la
primera mujer reconocida con un Premio Nobel de Literatura. El libro,
dirigido principalmente a los niños suecos, es un recorrido por Suecia, por
su territorio, sus costumbres y sus pobladores. Nils Holgersson, "un
muchacho que no pasaría de los catorce años, alto, desmadejado, de cabellos
rubios como el cáñamo (...) muy dado a juegos en los que demostraba sus
instintos perversos", es transformado en duende como castigo por haber
maltratado a uno de estos pequeños seres. Habiendo sido encogido al tamaño de
un pulgar y dotado con habilidades tales como entender el lenguaje de los
animales, Nils, junto a uno de los patos de la granja en que vive, se une a
una bandada de patos silvestres con los que recorre todo el territorio sueco.
Durante el viaje atraviesa un sinfín de peripecias que lo ayudan a madurar y
a convertirse en una persona de provecho. Al final de la travesía, vemos a un
Nils completamente cambiado, maduro y que ha aprendido a amar a su país, a
sus padres y a la naturaleza que le rodea.
El libro incluye descripciones, leyendas, cuentos y la historia de cada una
de las provincias suecas visitadas por Nils durante su viaje. También hay
excelentes descripciones sobre las costumbres que siguen los habitantes de
las diferentes regiones de aquel país nórdico. Leerlo equivale a un viaje
guiado por Suecia. Nos cuenta la leyenda del gigante de Esmaland, la historia
del astillero de Estocolmo, nos describe la Universidad de Uppsala, conocemos
la isla de Oland, peleamos junto a las ratas negras de Glimminge, viajamos
desde Taberg hasta Huskvarna mientras conocemos la leyenda del Uppland y la
de Herjedalen. Lloramos con las desventuras de Asa, la guardadora de patos, y
su hermano, el pequeño Mats, nos enamoramos de Finduvet, admiramos el
esfuerzo de Martín, el pato blanco, y respetamos a Okka, el pato guía. Al
mismo tiempo, acompañamos a Nils en su viaje lleno de peligros, huyendo de
Esmirra la zorra, asistiendo al baile de las grullas en Kullaberg y viajando
sobre un pato, una cigüeña, un carnero, un perro de caza e incluso sobre un
águila.
Afortunados niños suecos, aprender geografía debe ser para ellos un verdadero
placer.
02:36
Comentarios
Lunes 2 de febrero del 2004
Cita del día: "Entre
algunas tribus indias brasileñas, si el curandero predecía la muerte de
alguien que le había ofendido, el desventurado se recogía en su hamaca
instantáneamente con tal seguridad de morirse que ni comía ni bebía, y la
predicción era una sentencia que la fe ejecutaba eficazmente"
Sir James George Frazer, La Rama Dorada
Evolución de los dioses en el
Mediterráneo Oriental
A lo largo de la historia los rituales religiosos de los
pueblos se han visto influenciados por las costumbres de las culturas
vecinas. Dado que la religión surgió como una manera mediante la cual el
hombre podía explicar los fenómenos naturales que sucedían a su alrededor, es
natural que pueblos cercanos, que observan cambios y ciclos naturales
similares, compartieran dioses. Lo más común era cambiar el nombre del dios y
conservar el ritual. A veces, ambos cambiaban y el dios terminaba adquiriendo
una dimensión diferente y alterando su significado original.
Uno de los ciclos naturales que más interesaba a los primeros hombres que se
dedicaron a la agricultura era el crecimiento y decaimiento anual de la
vegetación. Sin medios eficaces para medir el tiempo, el hombre primitivo no
asociaba dicho ciclo con la sucesión natural de estaciones, sino como el
efecto de los ritos que practicaba. En un principio, dichos ritos fueron
mágicos, es decir, el hombre pensaba tener el poder de controlar el
nacimiento de la vegetación. Más adelante, con la evolución del pensamiento
humano, los rituales adquirieron tintes religiosos.
Parece ser que este tipo de ritos se celebraba con mayor solemnidad en los
países que bordean el Mediterráneo Oriental. Bajo los nombres de Osiris,
Tammuz, Adonis y Atis, los pueblos de Egipto, Asia Menor y Grecia
representaron la decadencia anual de la vida vegetal, personificándola como
un dios que muere anualmente y vuelve a revivir. Entre estos, los más
semejantes entre sí son Tammuz y Adonis. Este último, es la versión griega
del primero y su nombre proviene precisamente de la palabra Adon (Señor) que
era el título honorífico de Tammuz. Dioses del mismo tipo son Dionisos y
Démeter, pues, aunque aparecieron después, siguen rituales muy similares. Los
ritos de Osiris y de Adonis en Biblos son tan parecidos que la gente a veces
afirmaba estar representando a Osiris y a veces a Adonis. A su vez, Herodoto
afirma que los ritos de Osiris y Dionisos eran a tal grado similares que era
imposible pensar que el último pudo haberse formado independientemente del
primero. Más bien, explica, Dionisos fue una alteración griega del dios egipcio.
Ahora bien, los más antiguos de estos dioses surgieron, a su vez de ritos
religiosos y mágicos aún más antiguos. Es de pensar que, si hay una historia
antes de ellos, debe haber alguna después de ellos. ¿En qué se ha convertido
entonces, por ejemplo, Adonis? ¿Qué dios de la actualidad sigue sus mismos
rituales? La respuesta podría sorprendernos.
Antes que nada, hay que resumir el mito de Adonis. Como ya se mencionó, el
mito griego de Adonis es una adaptación del mito babilónico de Tammuz. La
historia dice que Adonis fue un apuesto mancebo amado por Afrodita. En su
infancia, le ocultó la diosa en un cofre que entregó a Perséfone, reina del
mundo inferior. Pero, cuando Perséfone abrió el cofre y comprobó la belleza
del niño, se negó a devolverlo a Afrodita, aunque esta última bajo al
infierno a rescatar a su amado. Esta disputa entre la reina de los muertos y
la diosa del amor fue resuelta por Zeus, quien decretó que Adonis pasaría una
parte del año con Perséfone y otra parte con Afrodita. Al final, Adonis sería
muerto por un jabalí, que era tal vez una representación del celoso Ares,
amante divino de Afrodita. Amargamente lamentó Afrodita la pérdida de su
amado.
El culto a Adonis tuvo mayor auge en dos lugares de Asia Menor: Biblos, en la
costa de Siria, y Pafos, en la isla de Chipre. Ambas ciudades fueron centros
de culto de Astarté, contrafigura semítica de Afrodita.
Uno de los principales rituales del culto a Adonis eran sus
“jardines”. Así se llamaba a unas cestas o macetas con tierra en
donde se sembraban diversos cereales y flores. Estos jardines eran cuidados
por las mujeres durante 8 días. Las plantas brotaban rápidamente pero, al no
tener raíces, se marchitaban pronto, por lo que al cabo de los 8 días los
jardines se llevaban al mar o a los manantiales acompañados por figuras
representando a Adonis.
A partir de este ritual podemos comenzar a encontrar relaciones entre Adonis
y uno de los dioses a los que se les rinde culto en la actualidad. Pero vamos
por pasos.
En Cerdeña, un ritual similar a los “jardines” de Adonis se
celebra durante el festival de San Juan. Se elige a una muchacha de la aldea
a principios de abril. A finales de mayo, la muchacha fabrica uno de los
jardines, que, para el 23 de junio, ha adquirido un gran aspecto. El día de San
Juan, un muchacho se viste con sus mejores galas y acompaña a la muchacha
hasta la puerta de la ermita en donde el jardín es destruido.
En Sicilia hay también un ritual muy similar, lo qué, según R. Wünsch, hace
suponer que San Juan ha reemplazado a Adonis.
Pero, ¿cómo un dios con un culto tan extendido como lo fue Adonis
disminuyó de rango hasta convertirse sólo en un santo local? Tal vez
encontremos evidencia de que Adonis ha evolucionado en algún dios mucho más
importante. Algunas pistas observamos ya, sobre todo si analizamos las fechas
en que se celebran los rituales antes mencionados.
Pero para no basarnos sólo en fechas, otro ejemplo de ritual siciliano en las
proximidades de Pascua es aquél en que las mujeres siembran cereales en
macetas que guardan en la oscuridad y riegan cada dos días. Cuando las
plantas crecen, se colocan en catafalcos con las efigies del Cristo yacente
que se erigen en las iglesias católicas y griegas el Viernes Santo,
exactamente como los “jardines de Adonis” se colocaban en el
túmulo de Adonis muerto. En muchos otros lugares de Europa oriental se
realizan ritos similares en los que Adonis se ha sustituido por Cristo
¿Podría entonces ser el dios cristiano el siguiente paso evolutivo de los
dioses de la vegetación? Necesitamos más argumentos para llegar a tal
aseveración. Además, hay partes del mito y del ritual de Adonis que aún no
hemos logrado hacer encajar dentro del mito y ritual cristianos. Sir James
George Frazer sugiere que, si reflexionamos, la Iglesia católica con frecuencia
se ha ingeniado habilidosamente para injertar la nueva fe en el tronco del
paganismo. Es probable, por tanto, “que la celebración pascual de la
muerte y resurrección de Cristo se haya injertado sobre una cepa de la muerte
y resurrección de Adonis, que, como parece probable, se celebra en Siria en
la misma estación del año” (Sir James George Frazer, La Rama Dorada).
Más aún, la dolorosa diosa Afrodita con su agonizante amante en brazos
descrita por los griegos puede haber sido el modelo de la Virgen con el
cadáver de su divino hijo en el regazo.
Los argumentos que nos hacen falta para demostrar que Cristo es el pináculo
-hasta ahora al menos- en la evollución de los dioses de la vegetación nos
los da San Jerónimo, quien recalca el hecho de que Belén o Bethlehem,
supuesto lugar de nacimiento de Jesús, está sombreado por un bosque dedicado
al culto del antiguo señor sirio Adonis y que, por tanto, donde el niño Jesús
lloró, había llorado antes el amante de la diosa del amor. San Jerónimo, en
su obra, trata de hacer encajar el rito de Adonis en una época posterior al
surgimiento del cristianismo, pero lo desmiente el nombre mismo del pueblo:
Bethlehem, que significa “La Casa del Pan”. Difícilmente puede
encontrarse un nombre más apropiado para la morada de un espíritu del cereal
como lo fue Adonis. Dado que el nombre del pueblo es anterior al nacimiento
de Cristo, es de pensarse que el culto a Adonis existía ya en Belem cuando
Jesús vino al mundo.
Los argumentos anteriores, bastante fuertes en sí, pueden sin embargo dejar
algunas dudas respecto a la veracidad de su conclusión. Es por eso que hay
que abundar un poco más sobre las semejanzas entre Adonis y Cristo. Es sabido
que uno de los centros más importantes del culto cristiano fue Antioquia,
lugar en que la muerte de Adonis se celebraba anualmente con gran solemnidad.
Cuando Juliano entró en esta ciudad justo por las fechas en que se celebraba
el ritual de Adonis, se sorprendió al ver que las multitudes volteaban hacia
Oriente y oraban a “la estrella de su salvación”. Esto se debe a
que la aparición de una brillante estrella marcaba cada año el nacimiento o
resurrección de Adonis. Esta estrella bien pudo ser Venus, planeta que se
identificaba con Astarté. El comportamiento de dicho planeta era bien conocido
por los astrónomos de la época, por lo que el festival de Adonis era fechado
con regularidad, coincidente con la aparición de Venus en el Oriente como
estrella matutina. En Afaka se esperaba también la misma señal para iniciar
con los rituales. Bien pudo ser ésta la misma estrella que guió a los reyes
magos de Oriente hacia Belén.
Más coincidencias entre los rituales cristianos y los rituales dirigidos
hacia dioses de la vegetación pueden observarse en el ritual de Atis, que
representaba en Frigia lo que Adonis en Siria, aunque con un culto mucho más
salvaje. Según el mito, Atis fue hijo y amante de Cibeles, quien lo concibió
siendo virgen al poner una almendra en su regazo. En la antigüedad, estas
historias de madres vírgenes eran comunes, y permanecieron como reliquias de
“una época de ignorancia infantil en la que los humanos no habían
reconocido aún como causa verdadera de la preñez la cópula
intersexual”. Respecto a la muerte de Atis, una versión es idéntica a
la de la muerte de Adonis, mientras otra cuenta que él mismo se emasculó bajo
un pino, desangrándose ahí mismo. Era el pino, por tanto, el árbol dedicado a
Atis. El culto a este dios, dado su salvajismo, fue repudiado por los
griegos, pero aceptado de buena gana por los romanos. Lo destacable para el
propósito que perseguimos es el ritual para celebrar su muerte y
resurrección. El festival comenzaba el 22 de marzo, día en que se simulaba la
muerte de Atis amortajando un pino. Al tercer día (24 de marzo) los
sacerdotes y algunas personas más se automutilaban y, por la noche de ese
mismo día, los lamentos se convertían en gozo por la resurrección del dios.
Así, Atis, como Jesús, resucitó al tercer día. El cuarto día se dedicaba a
celebrar la resurrección, el 26 de marzo se descansaba y, por último, el 27
de marzo se cerraba el festival con una procesión al arroyo Almo, en donde se
celebraban algunos rituales adicionales. Curiosamente, como ironía de la
historia, el centro del culto a Atis era el santuario localizado en la colina
Vaticana, en el mismo lugar en el que ahora está el templo de San Pedro.
Para redondear esta argumentación, hay que mencionar que en el calendario
juliano se computó el solsticio de invierno el 25 de diciembre, es decir, el
día a partir del cual las horas de luz diarias se incrementaban poco a poco.
En Siria y Egipto, sedes del culto a Adonis y Osiris respectivamente, los
celebrantes salían a medianoche gritando “¡La Virgen ha parido ¡La luz
está aumentando! En los países semíticos, la Virgen Celeste, una forma de Astarté,
paría un hijo el 25 de diciembre. La Iglesia católica, que originalmente
celebraba la natividad el día 6 de enero, decidió cambiar la fecha para
que coincidiera con la de los ritos paganos.
Puede resumirse que: “tomadas conjuntamente las fiestas paganas y
cristianas, vemos cómo tienen coincidencias demasiado estrechas y demasiado
numerosas para considerarlas accidentales; ellas muestran el pacto a que se
vio obligada la Iglesia a la hora de su triunfo con sus rivales vencidas,
pero todavía peligrosas”.
Parece ser que, desde que Pablo de Tarso fundara la Iglesia Católica, la
imagen del verdadero Jesús se fue sustituyendo por la imagen del Cristo que
no fue otra cosa que el siguiente paso en la evolución del dios Adonis. Así
es como la ambición de poder que la Iglesia ha tenido desde sus orígenes y
que muy probablemente fue la causa de su creación, ha borrado de la historia
a Jesús el judío y ha modificado una religión ya existente para ganarse
adeptos. Seguramente, el tal Jesús está retorciéndose en su tumba (su cuerpo
debe estar aún enterrado en algún lado), pues el mensaje que tenía para la
humanidad se olvidó a favor de los intereses vanos de Pablo de Tarso y de los
que lo han seguido hasta nuestros tiempos.
Domingo 1 de febrero del 2004
Cita del día: "Everybody
seems to think I'm lazy
I don't mind,,
I think they're crazy
Running
everywhere in such a speed
Until they
find, there's no need"
The Beatles:
Revolver I'm Only Sleeping
Viernes 30 de enero del 2004
Cita del día: "Sé
que dirán que tengo una lengua mala y venenosa, porque les digo a veces la
verdad a los frailes. Perdono de buena gana a las que me hagan este reproche,
porque presumo que no lo hacen sin una razón particular. Los frailes son, en
efecto, muy buenas personas, que por amor de Dios, evitan el trabajo y los
dolores, y prestan, en secreto, servicios muy valiosos a las damas. Bien es
verdad que si no tuviesen todos cierto tufillo a macho cabrío, estos
servicios serían mucho más agradables."
Bocaccio, conclusión al Decamerón
¿Reformas estructurales?: Qué
tal gente. Hace un par de días que no pongo nada en la página, y es que he
andado con poca inspiración. Pero bueno, ayer estaba discutiendo con un
conocido acerca de las reformas estructurales que Fox plantea. Yo estoy en
contra de las mismas, aunque tal vez mis argumentos no eran muy claros, por
lo que consulte con gente que sabe más que yo. Aunque no es el objetivo de esta
página discutir sobre política, y espero no contaminarla demasiada con dicho
tema, creo que un poco de información nunca está de más. Aquí está vaciada
parte de la información que logré colectar para defender mi posición.
Uno de los supuestos motivos por los que se suponía que la reforma iba a
beneficiar al pueblo era porque según esto iba a haber dinero para programas
sociales. Entre estos, uno de los más defendidos era, o es, el seguro
popular. Un completo engaño. Es cierto que ese seguro beneficiaría a una
parte de la población: a la que no tiene trabajo. El problema es que se
piensa instaurar como un sustituto del seguro social. Esto equivaldría a que
las aportaciones que actualmente hacen al IMSS las empresas, las pagaría el
gobierno. Los empresarios no estarían obligados a pagar nada. Primer ejemplo
de hacer que los que menos tienen paguen más y los que más tienen paguen
menos... Además, mediante dicho seguro popular, se planea eliminar el
sistema de pensiones. Así, un anciano que trabajó toda su vida debe vivir de
sus Afores. Y cada vez son menos las empresas que aportan a las Afores lo que
realmente corresponde. Este seguro popular está comenzando a funcionar en
Colima, con las consecuencias antes mencionadas.
Más ejemplos de "programas sociales": los Sofoles. Te los muestran
muy bonitos, muy convenientes. A los ejemplos me remito. En 1986, en la época
más inflacionaria del país, Villa Primero Agosto A.C. pidió un crédito a
Fonhapo (Fondo Nacional de Habitaciones Populares) para la construcción de
107 viviendas, desde la compra de terreno, los permisos , etc. El crédito fue
de 2000 salarios mínimos por vivienda. Las condiciones, 0% de interés, por
cada casa se pagaba el 52% del salario mínimo mensual y en cinco años la
gente tenía pagada su casa ¿Qué es lo que sucede hoy con las Sofoles? El
gobierno otorga concesiones para la entrega de créditos a grupos privados.
¿Cuáles son las condiciones para quien pide el crédito? Por ejemplo, para un
crédito de $350,000 pesos (los créditos son para habitaciones populares)
piden 10% de enganche si quieres pagar en UDIS o 15% si quieres pagar en
pesos. Como el programa va dirigido a gente sin ingresos fijos, se les pide
que, antes de que se les otorgue el crédito, paguen las mensualidades durante
4 meses, sólo para demostrar que pueden pagar. Después, hay "pagos
fijos"... sí, cada mes se paga lo mismo, pero te calculan 15 años de
intereses... para un crédito $350,000 como el planteado, además del enganche
de $52,500, la persona debe pagar $4275 mensuales ¡durante 20 años! Es
decir, paga más de un millón de pesos por una casa de $350,000. ¡Esto ocurre
en una época con inflación muy baja! Vaya programa social del "gobierno
del cambio". No creo que la gente que necesita de una habitación popular
tenga recursos para pagar más de $4000 mensuales. Tristemente, el Infonavit
comienza a funcionar mediante este tipo de créditos... Se enriquecen las
empresas que manejan las sofoles con el dinero de las personas pobres que
quieren una casa... Magnífico programa social, ¿no?
Respecto a la reforma fiscal en general. Las empresas extranjeras que se
instalan en el país lo hacen no sin antes tratar corruptelas con el gobierno
que las exoneran de pagar impuestos. Muchas empresas mexicanas hacen lo
mismo. Otras son aún peores, retienen los impuestos a los trabajadores, nunca
pasan ese dinero a Hacienda y después se declaran en quiebra, lo que es un
fraude tan obvio que lo vería un niño. Sin embargo, Hacienda no lo ve.
Después, el dueño de la empresa así quebrada, vuelve a fundarla. Caso del
Unomásuno.
Como prueba de los argumentos del párrafo anterior, para los interesados que
tengan tiempo, intenten averiguar cuánto paga Bimbo de impuestos. Una
bicoca...
Bueno, si las empresas no pagan impuestos, ¿de dónde salen recursos?. La mayor
parte de los recursos de SHCP proviene de los contribuyentes cautivos, es
decir, de los asalariados. Cómo ellos no tienen medios de evadir o de
defenderse, en ellos se recarga Hacienda cuando necesita dinero.
Obviamente, ese dinero no es suficiente para sostener al país. El resto del
dinero viene de las dos paraestatales, PEMEX y CFE. Éstas no pueden crecer
porque todo el capital que generan se utiliza para suplir lo que evaden los
empresarios. No generan recursos que puedan reinvertirse porque todo tiene
que gastarse para que el país pueda funcionar y para que el pueblo pueda
comer. Al pagar la gasolina tan cara como la pagamos, estamos pagando los
impuestos que evadieron los empresarios. La reforma energética pretende traer
capital externo, dejar morir a PEMEX y después mostrarnos lo bien que
funcionan las empresas con capital externo. Pero es claro que PEMEX no puede
funcionar cuando tiene que pagar por todo lo que se transan los empresarios.
Es evidente que hay corruptelas en PEMEX y la CFE, pero el remedio no está en
venderlas, sino en reestructurarlas.
Obviamente, se requieren reformas profundas, pero, de ninguna manera, las que
plantea el Presidente. Tendría que empezar por impedir que su mujer se gaste
del erario 15 millones anuales en vestidos Christian Dior, o disminuir
su gasto ceremonial multimillonario, o el de la alta burocracia. Es increíble
que a AMLO se le haga un escándalo porque le paga 65000 a su coordinador de
logística que, en realidad, sí trabaja bastante, y no se haya hecho el mismo
relajo por los vestidos de la señora Fox, pagados con el dinero que
supuestamente es de todos.
Tristemente, una gran parte de la población decide creer lo que el gobierno y
los medios masivos dicen. Es parte de lo que trae consigo la cultura mediática
y la desaparición del instinto natural de rebeldía en muchos de nosotros
jóvenes. En otra ocasión abundaré un poco más sobre esto.
Quien necesite fuentes sobre los datos aquí mostrados, no dude en pedírmelas.
Comentarios
Lunes 26 de enero del 2004
Cita del día: "El concepto
cristiano de Dios - Dios como Dios de los enfermos, Dios como araña, Dios
como espíritu - es uno de los conceptos de Dios más corruptos a que se ha
llegado en esta tierra; tal vez represente incluso el nivel más bajo en la
evolución descendento del tipo de los dioses. !Dios, degenerado a ser la contradicción
de la vida, en lugar de ser su transfiguración y su eterno sí! (...) Condeno
al cristianismo, presento contra la Iglesia cristiana la más terrible de
las acusaciones que jamás un acusador haya tenido en su boca. Es para mí la
mayor de todas las corrupciones imaginables; ha sido su voluntad la última de
las corrupciones posibles. (...) Yo llamo al cristianismo la única gran
maldición, la única gran corrupción interna, el único gran
instinto de venganza; para el mal ningún medio es bastante venenoso,
disimulado, subterráneo, pequeño, lo llamo la única mancha
de la humanidad".
Friedrich Nietzche, El Anticristo
El Decamerón (Boccaccio,
1352)
Esta gran obra, escrita a mediados del siglo
XIV, es una crítica mordaz hacia la sociedad italiana de aquellas épocas. La
obra resalta, particularmente, la hipocresía de los representantes de la Iglesia,
quienes, mientras predicaban la austeridad y la abstinencia, se prestaban a
excesos tanto en la comida y la bebida como en los placeres de la carne.
En la introducción del libro, un grupo de 10 habitantes de Florencia, 3
hombres y 7 mujeres, deciden abandonar la ciudad e irse al campo para huir de
la peste que azotaba a la ciudad. En este retiro, cada uno de los personajes
cuenta una historia durante cada una de las 10 jornadas en que se encuentran
lejos de la ciudad. El resultado es una colección de 100 cuentos, que
incluyen tanto narraciones jocosas como trágicas, siendo la infidelidad de la
mujer uno de los temas más tratados. Esto último no es sólo una casualidad.
En el prólogo al libro, Bocaccio escribe: "cuanto más desdichado se es,
cuanto más se sufre, mejor recibidos son los consuelos. Por tanto, debo
dirigir los míos, no obstante su insignificancia, mejor a las mujeres que a
los hombres. La delicadeza, el pudor les hacen a menudo disimular la llama
amorosa en que arden. Es éste un fuego tanto más vivo, cuánto más escondido
está, cosa que sólo saben aquéllas que lo han experimentado". Es, por
tanto, un libro dedicado a las mujeres, a las que Bocaccio propone la
infidelidad como medio para apagar el fuego que, según él, las consume dada
su naturaleza ardiente.
Los diez narradores tienen, por turnos, la oportunidad de ser llamado
"rey" y elegir el tema del que se tratarán los relatos de la
jornada. Cada uno de los personajes tiene una personalidad diferente, que se
aprecia tanto en el tono de sus relatos como en el tema que eligen cuando les
corresponde tal función. Así, Filostrato dará siempre a sus relatos un toque
nostálgico y eligirá que se narren durante la cuarta jornada historias de
personas cuyos amores tengan un final desgraciado. Dioneo, por otra parte,
pide a todos permiso para narrar siempre lo que se le ocurra, sin apegarse a
ningún tema, y de esta manera logra contar las historias más agradables y
alegres de todo el libro. Durante su "reinado", se cuentan las
artimañas de algunas mujeres con sus maridos para satisfacer sus pasiones.
Dioneo es el personaje elegido por Boccaccio para narrar las historias más
escandalosas, incluyendo entre ellas los amores de los curas, de las monjas,
e incluso los de un mercader homosexual.
El secreto de la inmortalidad de esta obra radica en que la burla hacia la
sociedad plasmada en sus páginas mantiene su vigencia 650 años después de que
fue escrita. La humanidad sigue padeciendo de los mismos vicios y comete los
mismos errores. Seguimos utilizando el engaño como herramienta común, la
mentira como argumento y la hipocresía como manera de subsistencia . Como
buena farsa, muchas veces, después de la carcajada involuntaria al terminar
de leer el relato, nos damos cuenta de que nos estamos riendo de nosotros
mismos, que lo que pasa en la historia bien podría pasarnos a nosotros. Es
cuando nos vemos reflejados en la obra cuando podemos apreciarla en su
totalidad, cuando logramos notar el gran conocimiento que Boccaccio tenía
acerca del modo en que se desarrollan las pasiones humanas. El Decamerón nos
muestra al hombre como ser imperfecto, intentando ocultarse tras una pantalla
de civilización y urbanidad, pero siempre controlado por sus pasiones.
Aceptar estas pasiones como inherentes a nuestro ser, nos hará más humanos,
nos permitirá ser tolerantes y tal vez entonces la hipocresía desaparecerá de
nuestros corazones.
01:02
Comentarios
Domingo 25 de enero del 2004
Cita del día: "Un
hecho maravilloso para reflexionar: que cada criatura está constituida para
ser ese secreto profundo y misterioso para todos los demás. Una consideración
solemne cuando entro en una gran ciudad por la noche: que cada una de esas
casas agrupadas en la oscuridad encierra su propio secreto; que cada
habitacióin de cada una de ellas encierra su propio secreto; que cada corazón
que late en los cientos de miles de pechos de allí, es, en alguno de sus
aspectos, ¡un secreto para el corazón que tiene cerca! Algo de atrocidad,
incluso de la Muerte misma, se refiere a esto. (...) En cualquiera de los
cementerios de esta ciudad por la que paso, ¿hay una persona durmiendo más
inescrutable para mí de lo que son sus ocupados habitantes, en su
personalidad más interna, o de lo que yo soy para ellos?"
Charles Dickens, Historia de dos ciudades
Una visita al Cerro del Chapulín: Después
de largo tiempo de no hacerlo, hoy a mediodía fui al bosque de Chapultepec.
El motivo fue que a mi hermano se le escapó el comentario de que nunca había
ido a dicho bosque. Me pareció realmente un comentario trágico, teniendo
dicho parque a no más de 15 minutos a pie. Así que mi misión del día de hoy
fue llevarlo, y todos mis hermanos aprovecharon para darse la vuelta. He de
reconocer que tengo casi olvidada por completo la geografía del lugar. No
pude dar con aquél pequeño remanso de aguas turbias que me gustaba visitar en
las épocas de preparatoria y en más de una ocasión perdí el sentido de mi
posición dentro del parque. Afortunadamente, no es fácil perderse, y menos en
domingo, día en el cual es imposible encontrar un punto del bosque en el que
te pares, voltees hacia algún lado y no haya gente dentro del campo visual.
De hecho, generalmente no recomiendo los domingos como días adecuados para visitar
el bosque. Muchas veces la experiencia resulta estresante en lugar de
relajante. Pero hoy fue diferente, al menos para mí. Fue gratificante el ir
reconociendo los parajes en los que solía jugar cuando era niño, redescubrir
como es que se "vive" dentro del bosque: los famosos puestos de
comida que ofrecen tortas a $3, naranjadas a $2.50 y chitos a $1, en los que
nunca me he atrevido a comer, pero que forman parte de la imagen que surge en
mi mente cuando pienso en el bosque; los niños "bañándose" en las
fuentes con agua de dudosa potabilidad, algunas personas lanzando maldiciones
en contra de alguien que por accidente chocó con ellos (lo cuál es difícil de
evitar en la zona "comercial" del bosque), etcétera.
La entrada al bosque más cercana a mi casa conduce casi directamente a la
Fuente de la Templanza, un pequeño monumento cuyo significado no logro
entender. Más adelante, hacemos una parada en la divertida Casa de los
Espejos, en la que los espejos deformantes son capaces de arrancar carcajadas
hasta al más reticente. En uno de los espejos mi hermana tuvo el tino de
comentar que nos reflejábamos como hobbits... nada pudo haber sido más
acertado...
Subiendo el cerro se llega al castillo. La entrada es gratuita los domingos,
así que aprovechamos para visitar el museo y ver la ciudad desde los
balcones. En días extraordinariamente despejados la vista debe ser hermosa,
pues el balcón da hacia donde se encuentran el Popocatépetl y el
Iztaccihuatl. Desafortunadamente, la existencia de dichos volcanes es aceptada
por los habitantes del DF más por dogma que por haberlos visto realmente. El
día de hoy, aunque relativamente despejado, los volcanes sólo se percibían
como ligeras manchas blancas detrás de la horrible nata gris que flota
constantemente sobre la ciudad.
Saliendo del castillo, nos dirigimos a la parte más densamente poblada del
bosque: el lago. Cientos de puestos de comida, juguetes, caricaturistas,
etcétera, se aglutinan en este lugar. Sin embargo, no deja de haber algunas
cosas interesantes. En uno de los extremos del lago, en una pequeña placita
cerca de un teatro, hay algunas mesas de pic-nic en las que algunos
vagabundos ya ancianos se reúnen alrededor de un tablero de ajedrez en el que
una serie de objetos suple la falta de piezas. El juego ciencia -casi
olvidado por la juventud burguesa que ahora prefiere los antros, la
borrachera y los paliativos que el consumo capitalista ofrece para evitar el
uso del cerebro- revive en los tableros de gente que tal vez juega para
olvidarse del hambre que siente. En la misma placita, otro grupo de ancianos,
un poco más afortunados, se sienta en círculo con sendas guitarras para
recordar viejas melodías. El cuadro general muestra algo de lo que más me
gusta de la Ciudad de México: su surrealismo.
Después, vagamos por el bosque durante un rato hasta que se oyen los
altavoces anunciando que el horario de visita al parque ha terminado. Nunca
he entendido porque cierra a las 4:30 pm, pero supongo que alguna razón debe
haber. Así terminó mi visita a este importante pulmón del DF que, por suerte,
se ha logrado conservar.
Sábado 24 de enero del 2004
Cita del día: "Me
hablais de los lazos de amor, Eugenia. ¡Ojalá nunca llegueis a
conocerlos!¡Ojalá que, por la felicidad que os deseo, nunca se aproxime a
vuestro corazón un sentimiento como ése! ¿Qué es el amor? Creo que sólo puede
considerársele como los efectos que producen en nosotros las cualidades de un
objeto hermoso; estos efectos nos producen un estado de arrobamiento, nos
excitan. Si poseemos ese objeto, nos sentimos contentos; si es imposible
poseerlo, nos desesperamos. Pero, ¿cuál es la base de ese sentimiento?... El
deseo. ¿Cuáles son las consecuencias de ese sentimiento?... La locura.
Entonces tengamos en cuenta el motivo y protejámonos de sus efectos."
Marqués de Sade, Filosofía en el Tocador
Viernes 23 de enero del 2004
Cita
del día: "El terror y pavor
con que el salvaje inculto contempla a su suegra es uno de los hechos más
corrientes de la antropología (...) La forma más solemne de un juramento que en
Nueva Bretaña puede hacerse es: "Señor, si no digo la verdad, que
tenga que estrechar la mano de mi suegra""
Sir James George Frazer, La Rama Dorada
All Things Must Pass (George Harrison,
1970)
Me parece justo comenzar con la reseña y comentario sobre
el disco que comparte nombre con esta página, así que comenzaremos por hablar
del grandioso álbum "All Things Must Pass". Éste fue el primer
disco de George Harrison como solista después de la desintegración de los
Beatles (antes ya había publicado los álbumes instrumentales
"Wonderwall" y "Electronic Sound"). En contra de
todos los pronósticos, con este álbum George fue el primero de los ex-Beatles
en colocar un disco en el número 1.
Parece haber sido una maldición de los cuatro ex-beatles que, después de sus
primeros discos como solistas, su talento fuera diluyéndose y perdiendo la
magia que tenía en el grupo. Es así como los álbumes debuts pueden
catalogarse como los mejores de cada uno de ellos: John Lennon con el disco
"Plastic Ono Band", Paul McCartney con "McCartney", Ringo
Starr con "Ringo" y George Harrison con "All things must
pass". Fue este último un disco triple en sus orígenes, reducido a un
album doble cuando la tecnología de los discos compactos lo permitió. En los
últimos años de los Beatles, Harrison se quejó varias veces acerca del poco
espacio que se le asignaba en cada uno de los discos así que, al tener la
oportunidad como solista, Harrison vació todo el material que había
acumulado.
La canción que da título al disco fue grabada por primera vez en el
cumpleaños 26 de George, durante la grabación del disco "Let It
Be". Las primeras versiones pueden escucharse al final de la película
"Let it Be" o en el disco extra que viene en "Let it Be...
Naked". Una versión con mejor calidad aparece en la Antología 3 de los
Beatles.
El álbum fue producido por Phil Spector, quien fue también productor del
disco "Let it Be" y de gran parte de los discos como solista de
John Lennon. Spector se caracterizaba por crear en sus discos una
"barrera de sonido" mediante el uso del efecto de reverberación,
preponderante en "All things must pass".
En el disco participaron gran cantidad de músicos, siendo presencias notables
las de Ringo Starr, Phil Collins y Eric Clapton. Estos dos últinmos quedaron
fuera de los créditos, pues en aquellas épocas las disqueras impedían que sus
músicos participáran en discos de otras compañías.
El disco abre con "I'd have you anytime",
compuesta junto a Bob Dylan. Dice la historia que, en una reunión, Harrison
estaba tocando en su guitarra algunos acordes que Dylan no reconoció, por lo
que le pidió a Harrison que se los enseñara y terminaron componiendo una
canción suave, con una letra muy al estilo del compositor norteamericano .
Después, el disco continúa con la canción que se ha convertido en la más
representativa de George Harrison: "My Sweet Lord", un canto angustioso para
acercarse a su Señor, para poder sentirlo y estar junto a él. La canción
termina con varios mantras, que la gente ignorante no tardó en calificar de
satánicos cuando en realidad son un canto al dios Krishna. Harrison enfrentó
una demanda por plagio por esta canción, pues un grupo desconocido aseguró
que Harrison les había copiado la música. Desafortunadamente Harrison perdió
la demanda tras muchos años de lucha. Aún así, esta canción es su sello
distintivo.
La tercera canción del disco es "Wah-Wah", onomatopeya para el
sonido de la guitarra de pedales. La letra es una metáfora sobre todo lo que Harrison ganó y perdió con los Beatles: "Wah wah, you're giving me a wah wah, and I'm thinking of you, and all the things that we
used to do. Wah wah, you
made me such a big star, being there at the right time, cheaper than a
dime. You didn't see me crying, you didn't hear me sighing. Wah-wah,
I don't need no wah-wah, and I know how sweet life can be, if I keep myself
free"
El disco continúa con "Isn't it a Pity", un canto al desamor y la
desilusión en el que, si se presta atención, al final puede escucharse el
coro de "Hey Jude" pero modificado para adquirir un tono un tanto
tétrico; "What is life"; "If not for you", escrita por
Bob Dylan; "Behind that locked door"; "Let it Down"; el
hermoso canto a la amistad titulado "Run of the Mill" ; el discurso
filosófico "Beware of Darkness"; las inconsecuentes pero agradables
"Apple Scruffs" y "Ballad of Sir Frankie Crisp"; la
crítica a la Iglesia e intento por mostrar el camino hacia Dios en
"Awaiting on you all"; la bellísima "All Things Must
Pass", que maneja una filosofía existencialista sobre la importancia de
vivir el hoy y estar concientes de que todo, sea bueno o malo, debe terminar;
"I Dig Love", que bien pudo quedar fuera del disco; la oda a la
muerte "Art of Dying", con una memorable aportación de Eric Clapton
en la guitarra; una segunda versión de "Isn't it a Pity", y el
grito desesperado "Hear Me Lord". El disco cierra con 5 pistas que
no son otra cosa que improvisaciones en el estudio.
Durante la grabación del álbum, se grabaron además varias canciones que
aparecieron en álbumes o sencillos posteriores ("Beautiful Girl"
que apareció en el disco "33 1/3", "Rocking Chair in
Hawaii" que apareció 32 años más tarde en "Brainwashed" y
"I Don't Want to Do It" que se lanzó como sencillo) , así como muchas
otras que se sumieron en el olvido y nunca fueron lanzadas comercialmente,
como "Everybody Nobody", "Mother Divine", "Window
Window", "Tell Me What Has Happened to You", "Nowhere to
Go" y "Cosmic Empire" que pueden conseguirse en bootlegs
piratas como "Beware of Abcko" o "Acetates and
Alternates".
En el año 2000 apareció una versión remasterizada del disco con motivo de su
30 aniversario. Se coloreo la portada y se agregaron algunas canciones
grabadas en 1970 pero que no salieron originalmente: "I Live for
You" con una estupenda participación de Pete Drake tocando la guitarra
de pedales; versiones acústicas de "Beware of Darkness" y "Let
it Down" y una versión instrumental de "What is Life". También
se incluyé un remake de "My Sweet Lord", marcando así el regreso de
George Harrison después de 13 años de ausencia. Aunque la voz en esta versión
ya se le oye un tanto apagada, es de reconocer tal energía en una persona que
había sido sometida a numerosas operaciones para extirpar tumores en la
garganta y los pulmones.
Por muchos, éste ha sido considerado como el mejor disco lanzado por los
ex-beatles. Tengo que confesarme de acuerdo con esto. El disco tiene la
capacidad de manipular las emociones, de crear una atmósfera que permite a
quien lo escuche introducirse de lleno en él. Un disco que tiene mensaje,
buena música y excelentes arreglos, eso es lo que es "All Things Must
Pass"
14:50
Comentarios
Primera nota en la página (12:56 pm): Primer
día de existencia de esta página en la red. Después de muchas semanas dudando
sobre los temas a incluir, el formato de la página y, por último, lidiando
contra la inercia que me mantenía en reposo constante, este sitio por fin
nace esperando lograr al menos un pequeño grupo de público cautivo. Es
probable que se note un tanto la influencia que ha ejercido el blog de Hamletstr sobre el concepto de esta página, por
lo que es mi obligación agradecerle por dejarme copiar algunas de sus ideas.